कैमरा का काम फिल्म की कहानी सुनाने को कैसे आकार देता है: सिनेमाटोग्राफी की एक मार्गदर्शिका

फिल्म में प्रत्येक शॉट निर्णयों की एक श्रृंखला का परिणाम है: कैमरा कहाँ रखना है, कितना करीब जाना है, क्या यह चलता है, दृश्य को कैसे प्रकाशित किया जाए, और क्या ध्यान में रहता है। एक साथ ये विकल्प सिनेमाटोग्राफी बनाते हैं — दृश्य भाषा जिसके माध्यम से एक फिल्म बिना एक भी शब्द के संवाद के संवाद कर सकती है।

सिनेमाटोग्राफी का अर्थ

अमेरिकन सोसाइटी ऑफ सिनेमाटोग्राफर्स (ASC), एक पेशेवर निकाय जो कैलिफोर्निया में 8 जनवरी 1919 को चार्टर किया गया था, इस क्षेत्र को 'दृश्य कहानी कहने की तकनीक और कलात्मकता' के रूप में वर्णित करता है। संगठन के अपने प्रशिक्षण कार्यक्रम प्रकाश, संरचना, कैमरे के कोण, मनोभाव-निर्माण और पोस्टप्रोडक्शन को मुख्य विषयों के रूप में सूचीबद्ध करते हैं जो एक सिनेमाटोग्राफर को महारत हासिल करनी चाहिए, इस कला को तकनीकी अनुशासन और कला दोनों के रूप में मानते हुए।

अमेरिकन फिल्म इंस्टीट्यूट (AFI) सिनेमाटोग्राफी को अधिक प्रत्यक्ष रूप से फिल्म या डिजिटल कैमरे से गतिशील छवियों को कैप्चर करने की कला और कला के रूप में परिभाषित करता है, दृश्य कहानी कहने की सेवा में। एफआई नोट करता है कि कथा फिल्म और टेलीविजन में, वह कहानी प्रकाश, रंग, लेंस की पसंद, कैमरे के दृश्य के माध्यम से यात्रा के तरीके, और जो फ्रेम में शामिल या छोड़ा गया है, के माध्यम से वहन की जाती है।

दृश्य भाषा के मुख्य तत्व

AFI और फिल्मनिर्माण शिक्षा साइट StudioBinder से उद्योग व्याख्या सिनेमाटोग्राफी को नियंत्रणीय तत्वों के एक आवर्ती सेट में तोड़ती है। प्रत्येक एक उपकरण है जिसे फोटोग्राफी के निदेशक — ऑन-सेट शीर्षक अग्रणी सिनेमाटोग्राफर के लिए — जानबूझकर उपयोग करता है बजाय दुर्घटना के।

ये विकल्प कहानी कहने को कैसे आकार देते हैं

StudioBinder की सिनेमाटोग्राफी की व्याख्या बताती है कि शॉट साइज सीधे प्रभावित करता है कि एक दर्शक किसी पात्र के कितने करीब महसूस करता है: एक वाइड शॉट से क्लोज-अप तक जाना, या अधिक एक चरम क्लोज-अप तक, अंतरंगता को बढ़ाता है और एक एकल विवरण या भावना पर जोर देता है। कंपोजीशन इसके साथ काम करता है जो फ्रेम के अंदर है इसे व्यवस्थित करके ताकि दर्शक की आंख एक विशिष्ट अर्थ बिंदु की ओर खींची जाए, बजाय छवि को यादृच्छिक रूप से स्कैन करने के।

कैमरा गति एक और परत जोड़ता है, दृष्टिकोण और लय को बदलते हुए जैसे शॉट सामने आता है बजाय स्थिर रहने के। StudioBinder 'The Godfather,' 'Barry Lyndon' और 'Mad Max: Fury Road' से सिनेमाटोग्राफी को संदर्भ के रूप में उद्धृत करता है कि कैसे प्लेसमेंट, प्रकाश और गति एक फिल्म की दृश्य पहचान बनाने के लिए संयोजित होते हैं, और सिनेमाटोग्राफर Roger Deakins के काम को '1917' पर एक उदाहरण के रूप में हाइलाइट करता है कि कैसे निरंतर कैमरा गति और फोकस विकल्प एक कहानी के तनाव को ले जा सकते हैं।

एक सदी के पेशेवर मानकों वाली कला

ASC के अनुसार, संगठन खुद एक व्यावहारिक समस्या से बाहर आया: शुरुआती हाथ से क्रैंक किए गए कैमरों ने फुटेज पर स्थिर-विद्युत धारियां उत्पन्न कीं, और सिनेमाटोग्राफर्स को यह अधिक प्रभावी लगा कि ऐसे तकनीकी समस्याओं को अकेले के बजाय सामूहिक रूप से हल किया जाए। यह सहकारी, मानक-संचालित दृष्टिकोण एक संगठन के लिए आधार बन गया जो आज भी केवल आमंत्रण के आधार पर सदस्यता स्वीकार करता है, उनके प्रदर्शित कौशल और उद्योग में पेशेवर स्थिति के आधार पर।

बुनियादी सिद्धांत जो ASC और AFI दोनों वर्णित करते हैं वह फिल्म के प्रारंभिक दशकों के बाद से नहीं बदला है: सिनेमाटोग्राफी केवल कैमरे के सामने कार्रवाई का प्रलेखन नहीं है। यह तकनीकी और रचनात्मक निर्णयों का एक जानबूझकर, दोहराए जाने योग्य सेट है — प्रकाश, लेंस, गति, संरचना और रंग पर — जो एक फिल्म को दृश्य अर्थ देता है, स्वतंत्र रूप से क्या स्क्रिप्ट में कहा गया है।