कला आंदोलनों को समझना: Impressionism से Modernism तक

छात्र, संग्राहक और गैलरी आने वाले अक्सर एक ही सवाल पूछते हैं: "Impressionism" और "Modernism" को वास्तव में क्या अलग करता है, और कला इतिहासकारों ने नए लेबल बनाने में क्यों लगातार बने रहे? Tate और Barber Institute of Fine Arts द्वारा प्रकाशित परिभाषाओं के अनुसार, ये शब्द कठोर वैज्ञानिक श्रेणियां नहीं हैं बल्कि बाद में किए गए समूहीकरण हैं जो क्यूरेटर और आलोचकों ने उन कलाकारों पर लागू किए जिन्होंने एक अवधि, तकनीक या विचारों का एक सेट साझा किया।

Impressionism: प्रकाश को चित्रित करें, विवरण नहीं

Tate की शब्दावली Impressionism को इस तरह वर्णित करती है कि बाहर और तुरंत "स्थान पर" चित्रकारी के चारों ओर बनाया गया था, स्टूडियो स्केच से काम करने की बजाय, कलाकारों ने प्राकृतिक प्रकाश की क्षणभंगुर गुणवत्ता को पकड़ने के लिए तेजी से, टूटी हुई ब्रशवर्क का उपयोग किया। यह आंदोलन 1860 के दशक की शुरुआत से फ्रांस में विकसित हुआ, Claude Monet और पेरिस में आधारित चित्रकारों के एक चक्र द्वारा अग्रणी।

इसकी पहली समूह प्रदर्शनी पेरिस में 1874 में हुई, जिसमें Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas और Paul Cézanne शामिल थे; Tate के अनुसार 1886 तक सात और प्रदर्शनियां हुईं। इस आंदोलन का नाम Monet की पेंटिंग "Impression, Sunrise" से आया, जिसके शीर्षक को आलोचकों ने मजाकिया रूप से अपनाया — एक लेबल जो फंस गया। मुख्य आकृतियों में Camille Pissarro, Berthe Morisot और Édouard Manet भी शामिल थे, और यह दृष्टिकोण बाद में Walter Richard Sickert जैसे ब्रिटिश चित्रकारों तक फैल गया।

Post-Impressionism: अवलोकन से भावना तक

Barber Institute of Fine Arts नोट करता है कि "Post-Impressionism" का कोई निश्चित शुरुआत या समाप्ति तिथि नहीं है, हालांकि संस्थान आमतौर पर इसे लगभग 1886 और 1905–1906 के बीच रखते हैं, जिसमें Impressionism के साथ काफी ओवरलैप है। यह शब्द आलोचक Roger Fry द्वारा 1910 में लंदन की Grafton Galleries में एक प्रदर्शनी के लिए गढ़ा गया था, जिसके बाद 1912 और 1913 में वहां दो और शो हुए।

जहां Impressionists एक क्षणभंगुर दृश्य क्षण को रिकॉर्ड करने का लक्ष्य रखते थे, Post-Impressionists — उनमें Paul Cézanne, Vincent van Gogh और Paul Gauguin शामिल थे — व्यक्तिगत, भावनात्मक या संरचनात्मक चिंताओं की ओर बढ़े। Fry ने इस बदलाव को "रूप बनाने के लिए; जीवन की नकल नहीं करने के लिए, बल्कि जीवन के लिए एक समतुल्य खोजने के लिए" के रूप में संक्षेप में प्रस्तुत किया, Barber Institute के अनुसार।

Cubism और Expressionism: यथार्थवादी चित्रण से तोड़ना

Tate Cubism को 1907–1908 के आसपास Pablo Picasso और Georges Braque के माध्यम से उभरते हुए वर्णित करता है, आमतौर पर Picasso की 1907 की पेंटिंग "Les Demoiselles d'Avignon" पर संरेखित। नाम आलोचक Louis Vauxcelles से आया, जिन्होंने Braque की 1908 पेरिस प्रदर्शनी को "ज्यामितीय रूपरेखा, घन में कम रूप" के रूप में वर्णित किया। Cubist चित्रकार, Juan Gris सहित, एक साथ कई दृष्टिकोण दिखाने के लिए विषयों को अतिव्यापी विमानों में तोड़ते हैं, आभासी गहराई पर कैनवास की समतलता पर जोर देते हुए। Tate दो चरणों की पहचान करता है: Analytical Cubism (लगभग 1908–1912), कठोर, म्यूट रचना द्वारा चिह्नित, और Synthetic Cubism (लगभग 1912–1914), जिसने उज्ज्वल रंग और समन्वित सामग्री जैसे अखबार का उपयोग किया।

Expressionism, Tate के अनुसार, 20वीं सदी की शुरुआत में जर्मनी में रूप लेता है, Post-Impressionist चित्रकारों जैसे Van Gogh और Edvard Munch से प्रभावित। यह यथार्थवादी चित्रण के बजाय व्यक्तिपरक भावना और आंतरिक अनुभव पर केंद्रित था, Die Brücke (The Bridge) और Der Blaue Reiter (The Blue Rider) जैसे समूहों के चारों ओर आयोजित। Tate द्वारा नामित मुख्य आकृतियां Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky और Oskar Kokoschka हैं, तीव्र, गैर-प्राकृतिक रंग और विकृत रूपों के साथ काम करते हुए।

Modernism: छत्र शब्द

Tate Modernism को पश्चिमी कला, वास्तुकला और डिजाइन में एक व्यापक आंदोलन के रूप में परिभाषित करता है जो आत्म-सचेत रूप से ماضی को वर्तमान दिन की कला के लिए एक मॉडल के रूप में अस्वीकार करता है, 20वीं सदी की शुरुआत से गति प्राप्त करता है और 1960 के दशक तक कला संस्थानों में एक प्रभावशाली विचार बन जाता है। इसकी शब्दावली इस छत्र के तहत Cubism, Fauvism, Suprematism, Constructivism, De Stijl और Surrealism को रखती है, बाद की Minimalism और abstract art के विकास के साथ।

Tate नोट करता है कि Modernist कला आम तौर पर तीन विशेषताएं साझा करती है: इतिहास और रूढ़िवादी मूल्यों को अस्वीकार करना जैसे यथार्थवादी चित्रण; रूप के साथ प्रयोग, अक्सर अमूर्तता की ओर झुकाव; और सामग्री, तकनीकों और प्रक्रिया पर जोर। कई Modernist आंदोलन प्रगति के बारे में यूटोपियन सामाजिक या राजनीतिक महत्वाकांक्षाओं से भी जुड़े थे। 1960 के दशक तक, आलोचक Clement Greenberg ने Modernist पेंटिंग का एक प्रभावशाली, संकीर्ण सिद्धांत तैयार किया था — एक स्थिति जिसने बाद में Postmodernism के रूप में जानी जाने वाली प्रतिक्रिया को भड़काया, Tate के अनुसार।

लेबल क्यों महत्वपूर्ण हैं

ये शब्द कलाकारों द्वारा पहले से तय नहीं किए गए थे; Tate और Barber Institute दोनों दिखाते हैं कि "Impressionism," "Cubism" और "Post-Impressionism" जैसे नाम आलोचकों की टिप्पणियों या बाद के क्यूरेटोरियल विकल्पों से उत्पन्न हुए, कभी-कभी अपमान के रूप में करने का इरादा रखते हुए। पाठकों के लिए एक पेंटिंग को संदर्भ में रखने का प्रयास करते हुए, व्यावहारिक दृष्टिकोण इन स्रोतों से तीन प्रश्न पूछना है: यह कब बनाया गया था, यह किस तकनीक या औपचारिक विचार को प्राथमिकता देता है, और क्या यह इससे पहले आंदोलन को अस्वीकार करता है या उस पर निर्माण करता है।