Comprendere i movimenti artistici: dall'Impressionismo al Modernismo

Studenti, collezionisti e visitatori di gallerie spesso pongono la stessa domanda: che cosa separa effettivamente "Impressionismo" da "Modernismo", e perché gli storici dell'arte continuano a inventare nuove etichette? Secondo le definizioni pubblicate da Tate e dall'Istituto Barber di Belle Arti, questi termini non sono categorie scientifiche rigorose ma raggruppamenti applicati a posteriori che curatori e critici hanno applicato ad artisti che hanno condiviso un periodo, una tecnica o un insieme di idee.

Impressionismo: dipingere la luce, non i dettagli

Il glossario di Tate descrive l'Impressionismo come un movimento costruito attorno alla pittura en plein air e spontaneamente "sul posto" piuttosto che lavorare da schizzi di studio, con artisti che utilizzavano pennellate rapide e frammentate per catturare la qualità fuggevole della luce naturale. Il movimento si sviluppò in Francia dai primi anni 1860, pionierizzato da Claude Monet e da un circolo di pittori con sede a Parigi.

La sua prima mostra collettiva si tenne a Parigi nel 1874, presentando Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas e Paul Cézanne; seguirono altri sette spettacoli fino al 1886, secondo Tate. Il nome del movimento proveniva dal dipinto di Monet "Impression, Sunrise", il cui titolo i critici colsero beffardamente – un'etichetta che rimase. Le figure centrali includevano anche Camille Pissarro, Berthe Morisot ed Édouard Manet, e l'approccio si diffuse successivamente a pittori britannici come Walter Richard Sickert.

Post-Impressionismo: dall'osservazione all'emozione

L'Istituto Barber di Belle Arti nota che il "Post-Impressionismo" non ha una data di inizio o fine fissa, anche se le istituzioni comunemente lo posizionano tra circa il 1886 e il 1905–1906, con considerevole sovrapposizione con lo stesso Impressionismo. Il termine è stato coniato dal critico Roger Fry per una mostra del 1910 alla Grafton Galleries di Londra, seguita da due ulteriori spettacoli nel 1912 e nel 1913.

Dove gli Impressionisti miravano a registrare un momento visivo fuggevole, i Post-Impressionisti – tra cui Paul Cézanne, Vincent van Gogh e Paul Gauguin – spingevano verso preoccupazioni personali, emotive o strutturali. Fry ha riassunto lo spostamento come un tentativo "di creare forma; non di imitare la vita, ma di trovare un equivalente per la vita", secondo l'Istituto Barber.

Cubismo ed Espressionismo: rompere con la raffigurazione realistica

Tate descrive il Cubismo come emergente intorno al 1907–1908 attraverso Pablo Picasso e Georges Braque, generalmente tracciato al dipinto "Les Demoiselles d'Avignon" di Picasso del 1907. Il nome proveniva dal critico Louis Vauxcelles, che descriveva la mostra parigina di Braque del 1908 come riducente le forme a "contorni geometrici, a cubi". I pittori cubisti, incluso Juan Gris, dividevano i soggetti in piani sovrapposti per mostrare più punti di vista contemporaneamente, enfatizzando la piattezza della tela sulla profondità illusionistica. Tate identifica due fasi: Cubismo Analitico (circa 1908–1912), caratterizzato da composizioni austeri e attenuate, e Cubismo Sintetico (circa 1912–1914), che utilizzava colori più luminosi e materiali incollati come giornali.

L'Espressionismo, secondo Tate, ha preso forma nella Germania del primo ventesimo secolo, influenzato da pittori Post-Impressionisti come Van Gogh e Edvard Munch. Si incentrava sull'emozione soggettiva e sull'esperienza interiore piuttosto che sulla raffigurazione realistica, organizzato intorno a gruppi come Die Brücke e Der Blaue Reiter. Figure chiave nominate da Tate includono Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky e Oskar Kokoschka, lavorando con colori intensi e non naturalistici e forme distorte.

Modernismo: il termine ombrello

Tate definisce il Modernismo come un ampio movimento nell'arte, nell'architettura e nel design occidentale che consapevolmente ha rifiutato il passato come modello per l'arte contemporanea, guadagnando slancio dal primo ventesimo secolo e diventando un'idea dominante nelle istituzioni d'arte negli anni 1960. Il suo glossario posiziona il Cubismo, il Fauvismo, il Suprematismo, il Costruttivismo, De Stijl e il Surrealismo sotto questo ombrello, insieme allo sviluppo successivo del Minimalismo e dell'arte astratta.

Tate nota che l'arte Modernista in generale condivide tre caratteristiche: il rifiuto della storia e dei valori conservatori come la raffigurazione realistica; la sperimentazione con la forma, spesso tendendo verso l'astrazione; e l'enfasi sui materiali, le tecniche e il processo. Molti movimenti Modernisti erano anche legati ad ambizioni sociali o politiche utopiche riguardanti il progresso. Negli anni 1960, il critico Clement Greenberg aveva formulato una teoria influente, più ristretta della pittura Modernista – una posizione che successivamente ha provocato la reazione conosciuta come Postmodernismo, secondo Tate.

Perché le etichette contano

Nessuno di questi termini è stato fissato in anticipo dagli stessi artisti; Tate e l'Istituto Barber mostrano entrambi che nomi come "Impressionismo", "Cubismo" e "Post-Impressionismo" provenivano da osservazioni di critici o scelte curatoriali successive, a volte intese come insulti. Per i lettori che cercano di collocare un dipinto nel contesto, l'approccio pratico è porre tre domande tratte da queste fonti: quando è stato realizzato, quale tecnica o idea formale ha la priorità, e nega o costruisce sulla comunità che la precede?