映画作曲家がオーケストレーションで感情を形作る方法：実践ガイド

オーケストレーションとは、どの楽器が音楽的アイデアを演奏するか、どのレジスターで、どのような組み合わせで演奏するかを決定する実践です。映画スコアリングでは、この決定はFilmscoringtips.comとFilmdaft.comから集めた作曲家の説明によると、メロディ自体と同じくらいの感情的な重みを持ちます。弦楽器のために書かれたテーマは親密に感じられる可能性があり、低音ブラスで演奏された同じ音符は脅威的に感じられる可能性があります。

楽器の自然な感情的範囲から始める

Filmscoringtips.comによると、ソロヴァイオリンは傷つきやすさまたは親密さを伝える傾向があり、フルオーケストラは壮大で広がりのある音を生成します。同じ出版物は、作曲家が調和、ダイナミクス、楽器編成を一緒に操作することに注記しています—不協和音と協和音を使用して緊張または解決を作成する—楽器の選択だけに頼るのではなく。

1. シーンの感情的な機能を特定してから楽器を選択します—作曲家ハンス・ジマーはMusicTechに、メロディから始めるのではなく、最初に『なぜここに音楽を置いているのか』と尋ねると述べました。
2. ライトモティーフをニュートラルで認識可能な形で書き、後で再形作できるようにします。Filmdaft.comが『スター・ウォーズ』と『ロード・オブ・ザ・リング』に記述している慣行に従ってください。
3. 楽器のレジスターまたはファミリーを変更して意味をシフトします：Filmdaft.comは、キャラクターが損失を経験した後、英雄的なモティーフがより遅い速度でより暗い調和色で戻ることに注記しており、メロディを認識可能に保ちながらキャラクターの変わった状態を示しています。
4. ダイナミクスをボリュームコントロールだけではなくストーリーテリングツールとして使用します—ジョン・ウィリアムズはClassical Music誌に引用されたインタビュアーに、『ジョーズ』のサメモティーフを『非常に遅いから非常に速く、非常に柔らかいから非常に大きく』変更したと述べ、サメの無差別な攻撃を表現したと述べました。
5. シーンが不快さを必要とする場合、楽器を快適な範囲外に押し出します。ウィリアムズは『ジョーズ』のために異常に高いレジスターで独立したクロマティックチューバモティーフを書きました。プレイヤーが質問したとき、ウィリアムズは結果が『より脅威的である』と述べたとClassical Musicに従ってください。
6. アコースティックと電子音を意図的にブレンドするのではなく、一方を他方として偽装します。ジマーはMusicTechに、『オーケストラを偽造する方法についての考えでサンプリングにアプローチしたことがない』と述べ、代わりにどのように1つを拡張するかについて尋ねます。
7. アレンジメントに空間を残します。ジマーは彼の作曲が年々『より痩せた』と述べ、彼は『より少ないiのドットとより少ないtを横切る』ことを試み、観客が感情を埋める余地を残します。MusicTechによると。
8. 完全なアンサンブルをナラティブの最高点に予約します。シカゴ交響楽団のジマーの『インターステラー』スコアのアカウントは、『Cornfield Chase』などの作品がシンプルなピアノと繊細な弦から始まり、その後『No Time for Caution』の駆動リズムと複雑なオーケストレーションが緊張を高めることに注記しています。

ライトモティーフ：1つのメロディ、多くの感情的意味

ライトモティーフは、Filmdaft.comが説明するように、特定のキャラクター、場所、オブジェクト、またはアイデアにリンクされた短い、繰り返し可能な音楽的アイデアで、映画全体にわたって戻り、観客がそれを認識し、どのように変わるかを追跡できます。このサイトはジョン・ウィリアムズの『スター・ウォーズ』のテーマを引用しており、これは主要なキャラクターをマークし、サガの道徳的な線が移動するにつれて意味をシフトし、ハワード・ショアの『ロード・オブ・ザ・リング』のテーマは、観客が音を通じて地理的および文化的なシフトを感じるように、特定の文化と場所に結びついています。

同じソースは『ジョーズ』を、脅威が画面に表示される前に危険を示唆しているため、脅威が画面に表示される前に緊張を構築するライトモティーフの例として指摘しています。サメの音楽的な合図は視覚的な表現の前に危険を示唆しています。

ケーススタディ：ジョーズのサメモティーフ

ウィリアムズは、Classical Music誌が『不吉な調性空間』と記述するバスとチェロで演奏されたセミトーンオスティナートとして署名2音のサメテーマ（EからF）を構築しました。彼は別に異常に高いレジスターでクロマティックチューバモティーフを書きました。サメが画面上に近づくと、オスティナートはより大きく、より速くなり、ウィリアムズは同じモティーフを『示す』ことを意図した技術です。サメの無差別な攻撃。Classical Musicはまた、別のシーンでは、プロフェッショナルミュージシャンが意図的にわずかに音を外して演奏してアミティ島マーチングバンドにアマチュアの音を与え、脅威的な楽器編成なしで不安を生成したことに注記しています。

ケーススタディ：インターステラーでのオーケストラと電子音のブレンド

ジマーの『インターステラー』のスコアは、シカゴ交響楽団の出版物が『壮大で親密』の両方である『サウンドスケープ』と記述する教会オルガンを持つ伝統的なオーケストレーションを組み合わせています。ジマーはリピートするモティーフが感情的な深さを構築するために遅く進化する最小主義的なアプローチを使用し、『Stay』の作品で聞かれた技術です。MusicTechは、他のスコアでは、ジマーがオーケストラルサウンドと電子音の境界線をぼかすことについて説明しており、例えば、アコースティックと電子楽器を別のカテゴリーとして扱うのではなく、オーケストラのプレイヤーが電子サウンドスケープを再解釈するようにしています。

なぜオーケストレーションが心理的に機能するのか

これらの技術が観客に影響を与える根本的な理由は、Filmscoringtips.comによると、作曲家が調和、ダイナミクス、楽器編成を一緒に操作して感情的な反応にアクセスし、物語への没入を深めることです。単一の要素をアクセスの唯一のドライバーとして扱うのではなく。ジマーは、これを聴衆の感情的な経験を指示するのではなく、強化することとして構成しています。彼はMusicTechに、メロディを書く前に、特定のシーンで音楽が果たすべき役割が何であるかを尋ねることから始めると述べました。