महान सिनेमा को समझना: निर्देशकों की हस्ताक्षर तकनीकों के लिए एक गाइड

न��र्देशक से शुरू करें, केवल कहानी से नहीं

1950 के दशक से, फिल्म समालोचना ने निर्देशक को एक काम का प्राथमिक लेखक माना है, एक रूपरेखा के तहत जिसे ऑटर सिद्धांत कहा जाता है। फ्रांसीसी आलोचक और फिल्मकार François Truffaut ने 1954 में एक निबंध में यह विचार प्रस्तुत किया, जो Cahiers du cinéma पत्रिका में प्रकाशित हुआ, जिसे 1951 में स्थापित किया गया था। अमेरिकी आलोचक Andrew Sarris ने बाद में सिद्धांत को तीन परीक्षाओं में संगठित किया, 1962 में स्पष्ट: क्या निर्देशक तकनीकी कौशल दिखाता है, क्या व्यक्तिगत शैली फिल्मों में दोहराई जाती है, और क्या वह शैली उसे कहे जाने वाले आंतरिक या 'आंतरिक' अर्थ को व्यक्त करती है। निर्देशक की दोहराई गई पसंद को देखना, केवल कथानक का पालन करने के बजाय, वह प्रारंभिक बिंदु है जिसका उपयोग अधिकांश आलोचक और इतिहासकार करते हैं।

1. मिस-एन-सीन की पहचान करें — कैमरा रोल करने से पहले फ्रेम के अंदर व्यवस्थित सब कुछ।
2. देखें कि शॉट कैसे एक साथ जुड़े हुए हैं, और क्या संपादन खुद पर ध्यान आकर्षित करता है।
3. कैमरा प्लेसमेंट और सेट पर विधि का अध्ययन करें — शॉट कैसे शारीरिक रूप से कैप्चर किया गया।
4. गैर-संवाद तत्वों जैसे रंग, मौसम या लय को ट्रैक करें कि वे अर्थ कैसे व्यक्त करते हैं।
5. फिल्म की तुलना निर्देशक की अन्य फिल्मों के साथ करें और आलोचकों या फिल्मकारों द्वारा संकलित रैंकिंग के साथ।

चरण 1: मिस-एन-सीन — फ्रेम के अंदर व्यवस्थित सब कुछ

मिस-एन-सीन का मतलब है कि हर दृश्य तत्व जो निर्देशक शॉट फिल्म करने से पहले कैमरे के सामने व्यवस्थित करता है, जिसमें सेट डिज़ाइन, प्रकाश, रंग, सहायक सामग्री, पोशाक और अभिनेताओं की स्थिति शामिल है, फिल्मनिर्माण शिक्षा साइट StudioBinder के अनुसार। Stanley Kubrick को अक्सर रंग योजनाओं के अपने उपयोग के लिए चर्चा की जाती है जो मनोविज्ञान स्वर स्थापित करते हैं, The Shining और 2001: A Space Odyssey जैसी फिल्मों में। Wes Anderson उसी नियंत्रण को उत्पादन विधि तक बढ़ाता है, सुक्ष्मताएं और स्टॉप-मोशन एनिमेशन का उपयोग करके फ्रेम को सटीक रूप से संरचित करता है, जैसे Isle of Dogs में। Tim Burton की फिल्मों को आमतौर पर उत्पादन डिज़ाइन के लिए उद्धृत किया जाता है जो अपने काम के पूरे शरीर में अधिकांश फ्रेम को एक सुसंगत दृश्य पहचान देता है।

चरण 2: मोंटाज — शॉट जोड़ना नया अर्थ कैसे बनाता है

सोवियत निर्देशक Sergei Eisenstein ने तर्क दिया कि फिल्म का अर्थ किसी एक छवि से कम, छवियों के बीच संबंध से आता है, एक सिद्धांत जिसे वह मोंटाज कहते हैं। Eisenstein ने पांच मोंटाज विधियों का वर्णन किया — मीट्रिक, लयात्मक, टोनल, ओवरटोनल और बौद्धिक — विशुद्ध रूप से शॉट लंबाई पर आधारित संपादन से लेकर संपादन तक जो असंबंधित छवियों को जोड़ता है ताकि दर्शक अपने दिमाग में एक नई विचारधारा बनाते हैं। उनकी 1925 की फिल्म Battleship Potemkin में Odessa Steps का दृश्य, सैनिकों, भीड़ और व्यक्तिगत प्रतिक्रियाओं के बीच तेजी से काटना, उनकी मोंटाज तकनीक का सबसे बार उद्धृत उदाहरण है। उनकी पहली 1925 की फिल्म Strike में, Eisenstein ने कारखाने के कर्मचारियों को मारे जाने की फुटेज को मवेशियों को मारे जाने की फुटेज के साथ क्रॉस-कट किया, दोनों छवियों के बीच एक रूपक संबंध बनाया — जिसे वह बौद्धिक मोंटाज कहते हैं।

चरण 3: कैमरा प्लेसमेंट और सेट पर विधि

Seven Samurai (1954) से शुरू करते हुए, जापानी निर्देशक Akira Kurosawa ने एक साथ टेलीफोटो लेंस के साथ कई कैमरे चलाए, अभिनेताओं को दूरी पर प्रदर्शन करने दिया बिना यह जाने कि कौन से कैमरे की फुटेज अंतिम कट में होगी — एक दृष्टिकोण जो फिल्म विद्वान Stephen Prince कहते हैं कि Kurosawa विश्वास करते थे कि अभिनय को अधिक प्राकृतिक बनाते हैं। Kurosawa ने अक्षीय कट का भी इस्तेमाल किया, कैमरे को एक मेल खाते हुए जंप कट के माध्यम से एक विषय के करीब या दूर ले जाना, ट्रैकिंग शॉट या विघटन के बजाय, Seven Samurai में गांववासियों के इकट्ठा होने के दृश्य में दिखाई देता है। उन्होंने मौसम को भी एक आख्यान तत्व के रूप में इस्तेमाल किया, फिल्म की चरम लड़ाई को भारी बारिश और कीचड़ में फिल्मा कर दृश्य की अराजकता को तीव्र किया। Kurosawa ने उत्पादन के दौरान दैनिक फुटेज को संपादित किया; उनकी फिल्म Yojimbo को फिल्मांकन समाप्त होने के केवल चार दिन बाद प्रीमीयर किया गया था, उनके संपादक Teruyo Nogami के एक खाते के अनुसार।

चरण 4: शॉट दर शॉट भावना का निर्माण

ब्रिटिश निर्देशक Alfred Hitchcock ने सोवियत संपादन सिद्धांत को अनुकूलित किया जिसे Kuleshov प्रभाव कहा जाता है — यह निष्कर्ष कि शॉट का एक अनुक्रम किसी भी एक शॉट की तुलना में अधिक अर्थ बनाता है — पर्यवेक्षक और जो पर्यवेक्षक देखता है उसके बीच एक लयात्मक प्रत्यावर्तन में, फिल्मनिर्माण साइट IndieFilmHustle के अनुसार। Rear Window में, कैमरा बार-बार नायक, Jeff को अपनी अपार्टमेंट की खिड़की के माध्यम से देखते हुए और बाहर होने वाली घटनाओं के बीच कटता है, दर्शकों की पहचान के माध्यम से तनाव का निर्माण करते हुए उसके हस्तक्षेप करने में असमर्थता के साथ। Hitchcock ने यह भी नियंत्रित किया कि दर्शकों को अभिनेताओं के सापेक्ष कितनी जानकारी मिली, आश्चर्य के बजाय तनाव को प्राथमिकता दी।

आलोचकों और निर्देशकों के सर्वेक्षण को संदर्भ मानचित्र के रूप में उपयोग करें

1992 से, ब्रिटिश पत्रिका Sight and Sound ने एक सर्वेक्षण चलाया है जिसमें काम करने वाले फिल्म निर्देशक — आलोचक नहीं — दस फिल्मों का नाम देते हैं जिन्हें वे सबसे बड़ा मानते हैं, प्रत्येक दशक में एक बार परिणाम प्रकाशित करते हैं। भागीदारी प्रत्येक संस्करण के साथ बढ़ी है: 1992 में 101 निर्देशकों ने वोट दिया, 2012 में 358, और 2022 में चौथे संस्करण में 480, British Film Institute (BFI) के अनुसार, जो पत्रिका प्रकाशित करता है। मतदाता प्रयोगात्मक, आर्ट हाउस, मुख्यधारा और पूरी दुनिया से शैली फिल्मकारों तक विस्तृत हैं, BFI के अनुसार। निर्देशकों के सर्वेक्षण के परिणामों में, 2001: A Space Odyssey पहले स्थान पर और Citizen Kane दूसरे स्थान पर है, जबकि Parasite 93 वें स्थान पर बंधा है — विश्व सिनेमा के लिए नए लोगों को निर्देशकों द्वारा संकलित एक रैंक की गई सूची दे रहा है आलोचकों के बजाय।

एक नजर में मुख्य शर्तें

• ऑटर सिद्धांत — विचार कि निर्देशक की दोहराई गई व्यक्तिगत शैली उन्हें फिल्म का प्राथमिक लेखक बनाती है।
• मिस-एन-सीन — कैमरे के सामने व्यवस्थित सब कुछ: सेट, प्रकाश, रंग, सहायक सामग्री, ब्लॉकिंग।
• मोंटाज — अलग शॉट के जुक्सटापोजिशन, या टकराव के माध्यम से अर्थ का निर्माण।
• अक्षीय कट — एक जंप कट जो कैमरे को लेंस अक्ष के साथ एक विषय के करीब या दूर ले जाता है।
• Kuleshov प्रभाव — सिद्धांत कि शॉट का एक अनुक्रम किसी भी एक शॉट की तुलना में अधिक भावनात्मक अर्थ बनाता है।