چگونه سینمای بزرگ را درک کنیم: راهنمای تکنیک‌های امضای کارگردانان

با کارگردان شروع کنید، نه فقط داستان

از دهه ۱۹۵۰، نقد فیلم کارگردان را به عنوان نویسنده‌ی اولیه‌ی اثر درنظر گرفته است، در چارچوبی که به نظریه‌ی نویسندگی معروف است. منتقد و کارگردان فرانسوی فرانسوا تروفو این ایده را در مقاله‌ی سال ۱۹۵۴ مطرح کرد، که در مجله‌ی کاهیه دو سینما منتشر شد، که در سال ۱۹۵۱ تأسیس شده بود. منتقد آمریکایی اندرو ساریس بعدها نظریه را به سه آزمون تقسیم کرد، که در سال ۱۹۶۲ تبلور یافت: آیا کارگردان مهارت فنی را نشان می‌دهد، آیا سبک شخصی در فیلم‌های مختلف تکرار می‌شود، و آیا این سبک آنچه را که او «معنای درونی» یا «داخلی» می‌خواند بیان می‌کند. جستجو برای انتخاب‌های تکراری کارگردان، به جای فقط دنبال کردن داستان، نقطه‌ی آغاز است که اکثر منتقدان و تاریخ‌نویسان استفاده می‌کنند.

1. میزانسن را شناسایی کنید — همه چیزی که در داخل قاب قبل از شروع دوربین مرتب است.
2. نگاه کنید که چگونه لقطه‌ها به یکدیگر متصل می‌شوند، و آیا ویرایش خود را برجسته می‌کند.
3. جایگاه دوربین و روش‌های کار روی پلتفرم را مطالعه کنید — چگونه یک لقطه فیزیکی ثبت شده است.
4. نحوه‌ی انتقال معنا از طریق عناصر غیر محاوره‌ای مثل رنگ، آب‌وهوا یا ریتم را دنبال کنید.
5. فیلم را با سایر آثار کارگردان مقایسه کنید و با رتبه‌بندی‌هایی که منتقدان یا فیلم‌سازان تجمیع کرده‌اند.

مرحله‌ی اول: میزانسن — همه چیز مرتب شده در داخل قاب

میزانسن به هر عنصر بصری اشاره می‌کند که کارگردان قبل از فیلم‌برداری یک لقطه در برابر دوربین مرتب می‌کند، شامل طراحی صحنه، نورپردازی، رنگ، تجهیزات، لباس و نحوه‌ی موقعیت بازیگران، طبق سایت آموزش سینما StudioBinder. استنلی کوبریک برای استفاده‌ی خود از طرح‌های رنگی برای ایجاد حال و تن روانی مکررا مورد بحث قرار می‌گیرد، در فیلم‌هایی مثل The Shining و 2001: A Space Odyssey. وس اندرسون این کنترل را به خود روش‌ی تولید نیز گسترش می‌دهد، با استفاده از کوچک‌سازی‌ها و انیمیشن استپ موشن برای ترکیب قاب‌ها با دقت، مانند Isle of Dogs. فیلم‌های تیم برتون برای طراحی تولید که به اکثر قاب‌ها هویت بصری یکپارچه در تمامی آثار او می‌دهد، معمولا مورد استناد قرار می‌گیرند.

مرحله‌ی دوم: مونتاژ — چگونه اتصال لقطه‌ها معنای جدید ایجاد می‌کند

کارگردان شوروی سرگئی اینشتاین استدلال کرد که معنای فیلم کمتر از هر تصویر واحد از رابطه‌ی بین تصاویر کنار هم قرار گرفته نشات می‌گیرد، اصلی که او آن را مونتاژ نامید. اینشتاین پنج روش مونتاژ را توصیف کرد — متریک، ریتمیک، تنال، فوق تنال و فکری — که از ویرایش تنها بر اساس طول لقطه تا ویرایشی که تصاویر مرتبط با هم را در تضاد قرار می‌دهد تا بیننده فکری جدید در ذهن خود تشکیل دهد، متغیر است. توالی مراحل اودسا در فیلم ۱۹۲۵ او Battleship Potemkin، که سریع بین سربازان، جمهور و واکنش‌های فردی قطع می‌شود، یکی از بیشترین نمونه‌های استناد شده‌ی تکنیک مونتاژ او است. در فیلم قبلی‌ اش سال ۱۹۲۵ Strike، اینشتاین لقطه‌های کارگران کارخانه‌ای که کشته می‌شوند را با لقطه‌های دام‌هایی که کشتار می‌شوند به صورت متقاطع برش می‌دهد، پیوند استعاری بین دو تصویر را ایجاد می‌کند — نمونه‌ای از آنچه او مونتاژ فکری نام داد.

مرحله‌ی سوم: جایگاه دوربین و روش کار روی پلتفرم

چگونه یک لقطه فیزیکی ثبت شده است تکنیکی است که شایسته‌ی ردگیری به تنهایی است. شروع کردن با Seven Samurai (۱۹۵۴)، کارگردان ژاپنی اکیرا کوروساوا چندین دوربین را به طور همزمان با لنزهای تله‌فتو اجرا کرد، بازیگران را اجازه می‌داد در فاصله‌ای اجرا کنند بدون اینکه بدانند کدام لقطه‌ی دوربین وارد برش نهایی خواهد شد — رویکردی که دانشمند فیلم استیفن پرینس می‌گوید کوروساوا اعتقاد داشت اجرا را طبیعی‌تر می‌کند. کوروساوا همچنین از برش محوری استفاده می‌کرد، دوربین را نزدیک‌تر یا دورتر از موضوع از طریق برش جهشی منطبق بجای لقطه‌ی دنبالی یا حل‌شدن، که در مشهد جمع‌آوری روستاییان در Seven Samurai قابل مشاهده است. او همچنین از آب‌وهوا به عنوان عنصر داستانی استفاده می‌کرد، نبرد اوج فیلم را در باران و گل سنگین ثبت می‌کرد تا آشفتگی مشهد را تشدید کند. کوروساوا روزانه طول مدت تولید لقطه‌ها را ویرایش می‌کرد؛ فیلم‌اش Yojimbo ظاهراً تنها چهار روز پس از پایان فیلم‌برداری برای اولین بار نمایش داده شد، طبق حسابی از تریویو نوگامی، ویرایشگرش.

مرحله‌ی چهارم: ساخت احساس لقطه به لقطه

کارگردان بریتانیایی الفرد هیچکاک اصل ویرایش شوروی‌ای که به نام تأثیر کولشوف معروف است — یافته‌ای که دنباله‌ای از لقطه‌ها معنای بیشتری نسبت به هر لقطه‌ی واحد تولید می‌کند — را به تناوب ریتمیکی بین ناظر و آنچه که آن ناظر می‌بیند تطبیق داد، طبق سایت تولید فیلم IndieFilmHustle. در Rear Window، دوربین بارها بین بطل داستان، جف، که از پنجره‌ی آپارتمانش تماشا می‌کند و رویدادهایی که بیرون می‌بیند قطع می‌شود، تشویق را از طریق شناسایی مخاطب با عدم توانایی او در مداخله ایجاد می‌کند. هیچکاک همچنین میزان اطلاعاتی که مخاطب نسبت به شخصیت‌ها دریافت می‌کند را کنترل می‌کرد، ترجیح تشویق را به جای شوک داد.

نظرسنجی‌های منتقدان و کارگردانان را به عنوان نقشه‌ی مرجع استفاده کنید

از سال ۱۹۹۲، مجله‌ی بریتانیایی Sight and Sound نظرسنجی برگزار می‌کند که در آن کارگردانان فیلم فعال — نه منتقدان — ده فیلمی را که آن‌ها بزرگ‌ترین را می‌دانند نام‌برده می‌کنند، نتایج را یک بار در هر دهه منتشر می‌کنند. مشارکت با هر ویرایش رشد کرده است: ۱۰۱ کارگردان در سال ۱۹۹۲، ۳۵۸ در سال ۲۰۱۲، و ۴۸۰ در چاپ چهارم سال ۲۰۲۲ رای داده‌اند، طبق موسسه‌ی بریتانیایی فیلم (BFI)، که مجله را منتشر می‌کند. هیئت رای دهندگان از کارگردانان تجربی، هنرخانه، فیلم اصلی و ژانر از سراسر جهان را در بر می‌گیرد، طبق BFI. در نتایج نظرسنجی کارگردانان، 2001: A Space Odyssey رتبه‌ی اول و Citizen Kane رتبه‌ی دوم را کسب کردند، در حالی که Parasite در رتبه‌ی ۹۳ مساوی شد — دادن یک فهرست رتبه‌بندی شده‌ی سینمای جهانی برای وارد شدگان جدید که توسط خود فیلم‌سازان تجمیع شده بجای منتقدان.

اصطلاحات کلیدی در یک نگاه

• نظریه‌ی نویسندگی — ایده‌ای که سبک شخصی تکراری کارگردان او را به عنوان نویسنده‌ی اولیه‌ی فیلم واجد شرایط می‌کند.
• میزانسن — هر چیزی که در برابر دوربین مرتب شده: صحنه‌ها، نورپردازی، رنگ، تجهیزات، موقعیت‌گیری.
• مونتاژ — ساخت معنا از طریق ترتیب یا برخورد بین لقطه‌های جداگانه.
• برش محوری — برش جهشی که دوربین را نزدیک‌تر یا دورتر از موضوع در طول محور لنز حرکت می‌دهد.
• تأثیر کولشوف — اصل که دنباله‌ای از لقطه‌ها معنای عاطفی بیشتری نسبت به هر لقطه‌ی واحد ایجاد می‌کند.