偉大な映画を理解する方法：監督のシグネチャー・テクニック・ガイド

監督を中心に考える、単なるストーリーではなく

1950年代以来、映画批評では監督を作品の主要な著者として扱ってきました。これはオートール理論として知られるフレームワークです。フランスの批評家で映像作家のフランソワ・トリュフォーは1954年のエッセイでこのアイデアを提唱し、1951年に設立された雑誌『映画手帖』に掲載されました。アメリカの批評家アンドリュー・サリスはこの理論を後に整理し、1962年に結晶化させました。すなわち、監督が技術的スキルを示しているか、個人的スタイルが映画全体で繰り返されているか、そしてそのスタイルが彼が「内部」または「内的」意味と呼ぶものを表現しているかどうかです。単にプロットを追うだけでなく、監督の繰り返される選択を探すことは、ほとんどの批評家と歴史家が使用する出発点です。

1. フレーム内に配置されたすべてのミズ・アン・シーン（カメラが回転する前にフレーム内に配置されたすべてのもの）を特定する。
2. ショットがどのように結合されているか、編集が注意を引いているかどうかを観察する。
3. カメラの配置とオンセット方法を研究する—ショットがどのように物理的にキャプチャされたか。
4. 色、天候、リズムなどの対話以外の要素がどのように意味を運ぶかを追跡する。
5. 映画を監督の他の作品や批評家や映像作家が編集したランキングと比較する。

ステップ1：ミズ・アン・シーン—フレーム内に配置されたすべてのもの

ミズ・アン・シーンとは、映画教育サイトStudioBinderによると、監督がショットを撮影する前にカメラの前に配置するすべてのビジュアル要素を指します。これには、セットデザイン、照明、色、小道具、衣装、および俳優の位置が含まれます。スタンリー・キューブリックは、『シャイニング』や『2001: A Space Odyssey』などの映画で、ムードと心理的なトーンを確立するために色合いを使用することで頻繁に議論されています。ウェス・アンダーソンは『Isle of Dogs』のように、ミニチュアとストップモーション・アニメーションを使用してフレームを正確に構成することで、その同じコントロールを制作方法自体に拡張しています。ティム・バートンの映画は、ほとんどのフレームに彼の作品全体を通じて一貫した視覚的なアイデンティティを与える制作設計で引き合いに出されることが一般的です。

ステップ2：モンタージュ—ショットの結合で新しい意味を生み出す

ソビエトの監督セルゲイ・アイゼンシュタインは、映画の意味は単一のイメージよりも、隣同士に配置されたイメージ間の関係から生じると主張しました。これはモンタージュと呼ぶ原理です。アイゼンシュタインは5つのモンタージュ方法を説明しました。メトリック、リズム的、トーン的、オーバートーン的、知的—純粋にショットの長さに基づく編集から、関連のないイメージを並置して視聴者が自分自身の心で新しいアイデアを形成することまでの範囲です。彼の1925年の映画『戦艦ポチョムキン』のオデッサの階段のシーケンスは、兵士、群衆、個々の反応の間で急速に切られており、彼のモンタージュ・テクニックで最も頻繁に引き合いに出される例の1つです。彼の以前の1925年の映画『ストライキ』では、アイゼンシュタインは工場労働者が殺害されているフッテージと牛が屠殺されているフッテージを交差編集し、2つのイメージ間のメタファーリンクを構築しました—これは彼が知的モンタージュと呼んだものの例です。

ステップ3：カメラの配置とオンセット方法

ショットが物理的にどのようにキャプチャされたかは、それ自体で追跡する価値がある技術です。『七人の侍』（1954年）で始まる日本の監督黒澤明は、複数のカメラを同時に望遠レンズで実行し、俳優が最終的なカットでどのカメラのフッテージが使用されるか知らずに遠距離でパフォーマンスを行うことができました。これは映画学者スティーブン・プリンスが黒澤がパフォーマンスをより自然にしたと信じていたアプローチです。黒澤は軸方向のカットも使用しました。軸方向のカットは、トラッキングショットやディゾルブではなく、マッチされたジャンプカットを通じてカメラを被写体に近づけたり遠ざけたりします。これは『七人の侍』の村人の集結シーンで見えます。彼はまた、天候を物語の要素として使用し、映画のクライマックスの戦闘シーンを大雨と泥の中で撮影して、シーンのカオスを増加させました。黒澤はフィルムを制作中に毎日編集しました。彼の映画『用心棒』は、彼のエディターである野上照代のアカウントによると、フィルミングの終了からわずか4日後にプレミアされたと言われています。

ステップ4：ショット・バイ・ショットで感情を構築する

イギリスの監督アルフレッド・ヒッチコックは、ソビエトの編集原理であるクレショフ効果—単一のショットよりも多くの意味を生み出すショットのシーケンスの発見—を、映画制作サイトIndieFilmHustleによると、観察者とその観察者が見るものの間のリズミカルな交代に適応させました。『裏窓』では、カメラはプロタゴニスト、ジェフがアパートの窓を通して見ているのを繰り返し切り、彼が目撃する外の出来事と、干渉できない彼の無力さに対する視聴者の認識を通じてサスペンスを構築しています。ヒッチコックはまた、視聴者がキャラクターに対して受け取る情報の量を制御し、ショックよりもサスペンスを好みました。

批評家と監督のポールを参考マップとして使用する

1992年以来、イギリスの雑誌『Sight and Sound』は、働く映画監督—批評家ではなく—彼らが最も偉大だと考える10本の映画に名前を付けるポールを実行しており、10年ごとに結果を公開しています。参加は各版とともに増加しています。1992年に101人の監督が投票し、2012年に358人、そして『British Film Institute』（BFI）によると2022年の4番目の版で480人が投票しました。BFIはマガジンを公開しています。監督のポール選挙の結果では、『2001: A Space Odyssey』は最初にランク付けされ、『市民ケーン』は2番目にランク付けされ、『パラサイト』は93番目で結びついています。これは初心者たちに世界映画を、批評家ではなく映像作家自体が編集したランク付けリストを与えます。

重要な用語一覧

• オートール理論—監督の繰り返される個人的なスタイルが映画の主要な著者として認定されるというアイデア。
• ミズ・アン・シーン—カメラの前に配置されたすべてのもの：セット、照明、色、小道具、ブロッキング。
• モンタージュ—個別のショットの並置または衝突を通じて意味を構築する。
• 軸方向のカット—レンズ軸に沿って被写体に近づく、または遠ざかるカメラをジャンプさせるカット。
• クレショフ効果—ショットのシーケンスが単一のショット単独よりも多くの感情的な意味を生み出すという原理。