Großes Kino verstehen: Ein Leitfaden zu den Signature-Techniken von Regisseuren

Beginnen Sie mit dem Regisseur, nicht nur mit der Geschichte

Seit den 1950er Jahren behandelt die Filmkritik den Regisseur als Hauptautor eines Werkes, im Rahmen eines Konzepts, das als Autorentheorie bekannt ist. Der französische Kritiker und Regisseur François Truffaut stellte die Idee in einem Essay von 1954 dar, veröffentlicht in der Zeitschrift Cahiers du cinéma, die 1951 gegründet wurde. Der amerikanische Kritiker Andrew Sarris organisierte die Theorie später in drei Tests, kristallisiert 1962: ob ein Regisseur technisches Geschick zeigt, ob ein persönlicher Stil sich in verschiedenen Filmen wiederholt, und ob dieser Stil das ausdrückt, was er eine innere oder 'Innen'-Bedeutung nannte. Nach den wiederholten Entscheidungen eines Regisseurs zu suchen, statt nur der Handlung zu folgen, ist der Ausgangspunkt, den die meisten Kritiker und Historiker verwenden.

1. Identifizieren Sie Mise-en-scène — alles, was vor dem Rollenbeginn der Kamera im Rahmen angeordnet ist.
2. Beobachten Sie, wie Aufnahmen zusammengefügt werden, und ob die Bearbeitung auf sich selbst aufmerksam macht.
3. Untersuchen Sie die Kamerapositionierung und die Methode am Set — wie eine Aufnahme physisch eingefangen wurde.
4. Verfolgen Sie, wie Nicht-Dialog-Elemente wie Farbe, Wetter oder Rhythmus Bedeutung tragen.
5. Vergleichen Sie den Film mit anderen Werken des Regisseurs und mit Ranglisten, die von Kritikern oder Filmemachern zusammengestellt wurden.

Schritt 1: Mise-en-scène — Alles, was im Rahmen arrangiert ist

Mise-en-scène bezieht sich auf jedes visuelle Element, das ein Regisseur vor der Kamera arrangiert, bevor eine Aufnahme gefilmt wird, einschließlich Kulissengestaltung, Beleuchtung, Farbe, Requisiten, Kostüme und wie Schauspieler positioniert sind, nach der Filmbildungsstelle StudioBinder. Stanley Kubrick wird häufig für seine Verwendung von Farbschemata diskutiert, um Stimmung und psychologischen Ton zu schaffen, in Filmen wie The Shining und 2001: A Space Odyssey. Wes Anderson erweitert dieselbe Kontrolle auf die Produktionsmethode selbst, wobei er Miniaturen und Stop-Motion-Animation verwendet, um Bilder präzise zu komponieren, wie in Isle of Dogs. Tim Burtons Filme werden häufig wegen der Produktionsgestaltung zitiert, die den meisten Bildern eine konsistente visuelle Identität über sein gesamtes Werk hinweg verleiht.

Schritt 2: Montage — Wie das Zusammenfügen von Aufnahmen neue Bedeutung schafft

Der sowjetische Regisseur Sergei Eisenstein argumentierte, dass die Bedeutung eines Films weniger aus einer einzelnen Aufnahme kommt als aus der Beziehung zwischen Bildern, die nebeneinander platziert sind, ein Prinzip, das er Montage nannte. Eisenstein beschrieb fünf Montagemethoden — metrisch, rhythmisch, tonal, übertonig und intellektuell — die von der Bearbeitung reichen, die rein auf Aufnahmenlänge basiert, bis zur Bearbeitung, die nicht verwandte Bilder nebeneinanderstellt, damit der Zuschauer eine neue Idee in seinem eigenen Verstand bildet. Die Odessa-Treppe-Sequenz in seinem Film von 1925 Battleship Potemkin, die schnell zwischen Soldaten, einer Menge und einzelnen Reaktionen schneidet, ist eines der am häufigsten zitierten Beispiele seiner Montagetechnik. In seinem früheren Film von 1925 Strike schnitt Eisenstein Aufnahmen von Fabrikarbeitern, die getötet wurden, mit Aufnahmen von Rindern, die geschlachtet wurden, kreuzte diese und baute eine metaphorische Verbindung zwischen den beiden Bildern auf — ein Beispiel dessen, was er intellektuelle Montage nannte.

Schritt 3: Kamerapositionierung und Methode am Set

Wie eine Aufnahme physisch eingefangen wurde, ist eine Technik, die es wert ist, für sich allein verfolgt zu werden. Beginnend mit Seven Samurai (1954), betrieb der japanische Regisseur Akira Kurosawa mehrere Kameras gleichzeitig mit Teleobjektiven, was es Schauspielern ermöglichte, aus der Ferne zu spielen, ohne zu wissen, welches Kamera-Material in den endgültigen Film käme — ein Ansatz, bei dem Filmwissenschaftler Stephen Prince sagt, dass Kurosawa glaubte, er mache Leistungen natürlicher. Kurosawa verwendete auch den axialen Schnitt, die Kamera näher zu oder weiter weg von einem Motiv durch einen abgestimmten Jump-Cut statt eines Tracking-Shots oder einer Auflösung, sichtbar in der Versammlungsszene der Dorfbewohner in Seven Samurai. Er verwendete darüber hinaus Wetter als Erzählelement, indem er die Abschlussbattle des Films in starkem Regen und Schlamm filmte, um das Chaos der Szene zu intensivieren. Kurosawa schnitt Material täglich während der Produktion; sein Film Yojimbo hatte angeblich Premiere nur vier Tage nach Drehende, laut einem Bericht von seinem Editor Teruyo Nogami.

Schritt 4: Aufbau von Emotion Shot by Shot

Der britische Regisseur Alfred Hitchcock adaptierte ein sowjetisches Bearbeitungsprinzip, das als Kuleshov-Effekt bekannt ist — der Befund, dass eine Sequenz von Aufnahmen mehr Bedeutung erzeugt als eine einzelne Aufnahme allein — in eine rhythmische Wechselwirkung zwischen einem Beobachter und dem, was dieser Beobachter sieht, nach der Filmwebseite IndieFilmHustle. In Rear Window schneidet die Kamera wiederholt zwischen dem Protagonisten Jeff ab, der durch sein Apartment-Fenster schaut, und den Ereignissen, die er draußen beobachtet, wodurch Spannung durch die Identifikation des Publikums mit seiner Unfähigkeit, einzugreifen, aufgebaut wird. Hitchcock kontrollierte auch, wie viele Informationen das Publikum relativ zu den Charakteren erhielt, bevorzugte dabei Spannung vor Schock.

Verwenden Sie Umfragen von Kritikern und Regisseuren als Referenzkarte

Seit 1992 führt das britische Magazin Sight and Sound eine Umfrage durch, in der arbeitende Filmregisseure — keine Kritiker — zehn Filme nennen, die sie für die größten halten, und veröffentlicht die Ergebnisse alle zehn Jahre. Die Beteiligung ist mit jeder Ausgabe gewachsen: 101 Regisseure stimmten 1992 ab, 358 im Jahr 2012, und 480 in der vierten Ausgabe im Jahr 2022, laut dem British Film Institute (BFI), das das Magazin veröffentlicht. Das Elektorat umfasst experimentelle, Kunstfilm-, Mainstream- und Genre-Filmemacher aus der ganzen Welt, laut dem BFI. In den Ergebnissen der Direktorenumfrage rangiert 2001: A Space Odyssey an erster Stelle und Citizen Kane an zweiter Stelle, während Parasite mit dem 93. Platz gleichgestellt — was Neulingen zum Weltkino eine von Filmemachern selbst zusammengestellte Rangliste gibt, anstatt von Kritikern.

Wichtige Begriffe auf einen Blick

• Autorentheorie — die Idee, dass ein wiederkehrender persönlicher Stil eines Regisseurs ihn als Hauptautor eines Films qualifiziert.
• Mise-en-scène — alles, was vor der Kamera arrangiert ist: Kulissen, Beleuchtung, Farbe, Requisiten, Blocking.
• Montage — Aufbau von Bedeutung durch die Nebeneinanderstellung oder Kollision separater Aufnahmen.
• Axialer Schnitt — ein Jump-Cut, der die Kamera näher zu oder weiter weg von einem Motiv entlang der Linsenachse bewegt.
• Kuleshov-Effekt — das Prinzip, dass eine Sequenz von Aufnahmen mehr emotionale Bedeutung schafft als eine einzelne Aufnahme allein.