Musikgenres erklärt: Jazz, Klassik, Elektronische Musik und Hip-Hop im Vergleich

Nutzer suchen aus einem einfachen Grund nach Genre-Erklärungen: Streaming-Plattformen sortieren Lieder in Dutzende von überlappenden Kategorien, aber die historischen Unterschiede zwischen Jazz, klassischer Musik, elektronischer Musik und Hip-Hop sind spezifisch und dokumentiert. Jedes Genre hat einen bekannten Geburtsort, ein ungefähres Anfangsdatum und eine Reihe von Techniken, die es von den anderen unterscheiden.

Was definiert tatsächlich ein Genre?

Ein Musikgenre wird normalerweise durch eine Kombination von drei Dingen definiert: die typischerweise verwendeten Instrumente, die Art und Weise, wie Rhythmus und Harmonie organisiert sind, und der soziale oder historische Kontext, in dem der Stil ursprünglich entstand. Im Folgenden werden die vier in dieser Erklärung genannten Genres auf die gleiche Weise aufgeschlüsselt.

Klassische Musik: Vier Ären über vier Jahrhunderte

Nach Classic FM wird westliche klassische Musik nach Konvention in vier breite Ären aufgeteilt, von denen jede ihre eigene Instrumentierung und musikalische Prioritäten hat. Der Wechsel vom Cembalo zum Klavier und von strengen Formen zur emotionalen Erzählung markiert die deutlichste Linie zwischen den frühesten und späteren Perioden.

Jazz: Improvisation aus New Orleans

Der U.S. National Park Service führt Jazz auf das späte 19. Jahrhundert in New Orleans zurück, eine Stadt, in der französische Kreolen, afrikanische, karibische und anglo-amerikanische Gemeinschaften eng zusammenmischten. Versklavte und freie Menschen afrikanischen Ursprungs versammelten sich sonntags auf dem Congo Square, wo afrikanische Trommeln und call-and-response-Gesang überlebten und sich mit Blasmusik und Ragtime vermischten, das damals national populär war.

Der Park Service schreibt dem Kornettisten Charles "Buddy" Bolden zu, zwischen etwa 1895 und 1900 den neuen Sound zu pionieren, indem er vertraute Tanzmusik beschleunigte und improvisierte Blues-Phrasen hinzufügte. Der Stil reifte in Ensembles, in denen Kornett, Klarinette und Posaune zusammen über einem gemeinsamen Beat improvisierten. Die Original Dixieland Jazz Band machte 1917 die erste Jazz-Aufnahme, ein Meilenstein, auf den sowohl der Park Service als auch die Forschungsdatenbank EBSCO hinweisen, als der Moment, in dem Jazz ein nationales Publikum erreichte.

EBSCO beschreibt Jazzs dauerhaftes Merkmal als Improvisation, synkopierter Rhythmus, Swing und akkordische Komplexität, hauptsächlich auf Trompete, Saxophon, Klavier und Schlagzeug aufgeführt. Von dieser New Orleans-Basis verfolgt EBSCO eine Linie durch Big-Band-Swing in den 1930er–1940er Jahren, Bebop, den Charlie Parker und Dizzy Gillespie pionieren, und Miles Davis' Cool Jazz, gefolgt von Free Jazz und später einer Jazz Fusion beeinflusst von Rock und Funk.

Elektronische Musik: Von Laborinstrumenten zum Laptop

Elektronische Musik wird nach einer vom Musikvertriebsunternehmen iMusician erstellten Geschichte weniger durch einen Geburtsort als durch eine Reihe von Erfindungen definiert. Das Phonograph, das in den 1870er und 1880er Jahren entwickelt wurde, ermöglichte zunächst die Wiedergabe von Aufnahmen. Das Telharmonium, ein frühes elektromechanisches Instrument, erschien 1896, gefolgt in den nächsten Jahrzehnten von anderen frühen elektronischen Instrumenten, einschließlich des Theremin 1930.

Die moderne Identität des Genres entstand nach dem Zweiten Weltkrieg. 1948 entwickelten Pierre Schaeffer und Pierre Henry Musique concrète in Paris, indem sie Tonbandaufnahmen von Alltagsgeräuschen schnitten und manipulierten. 1952 kam Karlheinz Stockhausen zu Kölns Elektronikstudio hinzu und entwickelte Elektronische Musik, die aus reinen synthesizer-generierten Tönen statt aus aufgezeichnetem Sound bestand. Das Electronic Music Center Columbia-Princeton öffnete sich 1959 in den USA und institutionalisierte das Feld, und der 1983 finalisierte MIDI-Standard ermöglichte elektronischen Instrumenten und Computern, miteinander zu kommunizieren. Ableton Live, 2001 veröffentlicht, verlagerte die Produktion zur Software. iMusician definiert das resultierende Genre als Musik, die mit elektronischen und elektromechanischen Instrumenten, digitalen Instrumenten oder auf Schaltkreisen basierender Musiktechnologie erstellt und produziert wird.

Hip-Hop: Vier Elemente aus der Bronx

Hip-Hops Ausgangspunkt ist viel präziser: Das Smithsonian National Museum of African American History and Culture datiert es auf die frühen 1970er Jahre in New York City, beginnend mit Partys in der Bronx, wo afrikanische amerikanische, afrokaribische und afrolateinische Jugendliche eine Kultur aus Nachbarschafts-Tanzpartys, Straßenecken und Kellern aufbauten. Die Museumsforschung verbindet diesen grassroots-kreativen Ausdruck mit Armut und Polizeibruttalität in diesen Gemeinschaften.

Nach dem Museum ist DJ Kool Herc eine der frühen Figuren, die mit der Szene verbunden sind, und das Genre lehnte sich direkt an Funk, Disco, gesprochene Worte und jamaikanische Toasting-Traditionen an. Das Museum identifiziert vier zentrale kreative Praktiken, die Hip-Hop als Kultur, nicht nur als Sound definieren: MCing (Rappen), DJing, Graffiti und Breaking (Breakdancing).

Wo die Grenzen verschwimmen

Keines dieser vier Genres blieb lange isoliert. EBSCOs eigene Zeitleiste zeigt Jazz, das Rock und Funk absorbiert, um Fusion zu bilden, während das Smithsonian bemerkt, dass Hip-Hop ursprünglich aus Disco- und Funk-Platten entstand. Elektronische Instrumente wie Drummaschinen und Synthesizer, dokumentiert von iMusician, wurden später zu Standard-Tools in der Hip-Hop-Produktion und einigen Strängen der zeitgenössischen klassischen Komposition, weshalb so viele heutige Aufnahmen einem einzelnen Genre-Label widerstehen.