Historia del Jazz: De las Calles de Nueva Orleans a un Lenguaje Musical Global

Orígenes en Nueva Orleans

Según el Servicio Nacional de Parques de Estados Unidos, que opera el Parque Histórico Nacional del Jazz de Nueva Orleans, el desarrollo inicial de la música está más asociado con el director de banda Charles "Buddy" Bolden, quien formó su propio grupo en 1895. Los conjuntos de Bolden se alejaron de la música de danza estrictamente anotada hacia lo que los historiadores llaman "improvisación colectiva", en la que los miembros de la banda se basaban en las ideas musicales de los demás en lugar de leer partes fijas.

El Servicio de Parques rastrea la expansión de la música a través de figuras como Kid Ory, cuya banda utilizó el recinto Economy Hall en el barrio Treme de Nueva Orleans como su sede de 1908 a 1919, y el bajista Bill Johnson, quien organizó la Original Creole Orchestra en Los Ángeles y la llevó de gira por los Estados Unidos entre 1914 y 1918. Un hito comercial llegó en febrero de 1917, cuando la Original Dixieland Jazz Band grabó "Livery Stable Blues" para Victor; dentro de seis meses del lanzamiento, el registro había vendido más de un millón de copias, según el Servicio de Parques, ayudando a vincular la palabra "jazz" al sonido de Nueva Orleans a nivel nacional.

A medida que las oportunidades en Nueva Orleans se redujeron, los músicos migraron hacia el norte. El corneta Joe "King" Oliver se reubicó en Chicago, donde, según el Servicio de Parques, se convirtió en "un ancla y un imán" para otros músicos de Nueva Orleans. Louis Armstrong se unió a la Creole Jazz Band de Oliver en el verano de 1922, y a partir de noviembre de 1925 grabó con su propio grupo Hot Five, incluyendo, en febrero de 1926, "Heebie Jeebies", que contó con la vocalización "scat" sin palabras de Armstrong. Para 1927, con su interpretación de "Wild Man Blues", Armstrong se había alejado de la música de conjunto colectivo y confirmado su estatus, en la cuenta del Servicio de Parques, como la primera superestrella del jazz. El pianista Jelly Roll Morton publicó "Jelly Roll Blues" en 1915 y luego grabó con su grupo Red Hot Peppers de 1926 a 1930.

Swing, Bebop y el Giro de la Posguerra

Para la década de 1930, el jazz se había desplazado hacia grandes conjuntos de salón de baile conocidos como big bands, período generalmente llamado era del swing. En la siguiente década, grupos más pequeños de músicos desarrollaron un estilo más rápido y armónicamente más denso conocido como bebop. El proyecto Timeline of African American Music de Carnegie Hall establece que el bebop evolucionó en la década de 1940 cuando el baile de salón disminuyó y cerraron lugares, empujando a los músicos de swing hacia combos más pequeños con más libertad creativa.

El estilo fue pionero en la Minton's Playhouse de Harlem por el trompetista Dizzy Gillespie, el saxofonista Charlie Parker y los pianistas Thelonious Monk y Earl "Bud" Powell, según la misma fuente. El bebop reemplazó la frasología regular del swing con líneas irregulares de tempo rápido e improvisación armónicamente impulsada; los bateristas Kenny Clarke y Max Roach desarrollaron nuevos enfoques rítmicos para adaptarse a él. El proyecto de Carnegie Hall cita al escritor y activista LeRoi Jones describiendo el bebop como que lleva "un elemento distinto de protesta social", vinculado a la afirmación de independencia artística de los músicos.

Cool Jazz y Fusión

En reacción a la complejidad del bebop, un estilo más tranquilo enfocado en arreglos llamado cool jazz emergió a fines de los años 40 y 1950. El proyecto de Carnegie Hall acredita las sesiones *Birth of the Cool* de Miles Davis (1949–1950), arregladas con Gil Evans, como fundacionales, junto con el Modern Jazz Quartet y lugares de la Costa Oeste como el Lighthouse Cafe en Hermosa Beach. El estilo favoreció tonos suaves, vibrato contenido e instrumentos como la trompa francesa y la flauta, moviendo algo del desempeño del jazz de salones de baile a espacios de concierto.

En 1969, *Bitches Brew* de Davis combinó improvisación de jazz con elementos de rock y electrónicos, inspirado parcialmente por la música de Jimi Hendrix, y lanzó la fusión del jazz, según el proyecto de Carnegie Hall. La misma fuente enumera *Head Hunters* (1973) de Herbie Hancock, *Sweetnighter* (1973) de Weather Report y *Birds of Fire* (1973) de la Mahavishnu Orchestra entre las grabaciones clave de fusión de la era, realizadas en medio de esfuerzos, como lo expresó el pianista Chick Corea, para llegar a "una audiencia más joven y emocional".

Una Forma de Arte Global

El jazz se expandió internacionalmente mucho antes de la fusión. El proyecto Timeline de Carnegie Hall describe al director de banda James Reese Europe introduciendo jazz temprano a Francia durante la Primera Guerra Mundial, con grabaciones y músicos de gira como Sidney Bechet profundizando más tarde su alcance allí. Los músicos japoneses encontraron la música a través de giras en transatlánticos transpacíficos durante los años de la Primera Guerra Mundial, trayendo grabaciones de vuelta de San Francisco, según el proyecto de Carnegie Hall. La pianista Toshiko Akiyoshi más tarde se convirtió en una de las primeras músicas japonesas en lograr gran éxito en los Estados Unidos, y Japón pasó a albergar grandes festivales de jazz, incluyendo el Yokohama Jazz Promenade.

En el Caribe y América Latina, músicos incluyendo Machito, Mario Bauzá y Chano Pozo fusionaron el jazz con tradiciones afrocubanas, con Dizzy Gillespie como colaborador activo; este linaje contribuyó al jazz brasileño y la salsa. En África, el músico congoleño Franco popularizó un "jazz congoleño" mezclando rumba y música de danza en los años 50–60, el sudafricano Hugh Masekela adaptó idiomas de jazz en su éxito de 1968 "Grazing in the Grass", y el músico nigeriano Fela Kuti se basó en arreglos de big band de jazz en la creación del afrobeat. Los músicos estadounidenses también absorbieron influencias externas a su vez — el pianista McCoy Tyner incorporó elementos del koto japonés, mientras que los bateristas Max Roach y Sun Ra se inspiraron en tradiciones de percusión africana, según la cuenta de Carnegie Hall.

La UNESCO reconoció formalmente este alcance transfronterizo en 2011 al proclamar el 30 de abril como Día Internacional del Jazz. La pianista Herbie Hancock, una Embajadora de Buena Voluntad de la UNESCO, ha estado estrechamente involucrada en las celebraciones del día desde su fundación, según la UNESCO. La UNESCO declara que el día marca el papel del jazz en "reforzar el respeto por los valores compartidos, mensajes universales de paz, libertad y solidaridad" que transmite la música, y describe el jazz, nacido en los Estados Unidos y arraigado en tradiciones africanas, como un género que aprovecha la diversidad del mundo, "cruzando sin esfuerzo fronteras y acercando a las personas y culturas". Para 2023, la observancia fue marcada en 195 países, según la UNESCO.

Jazz en la Música Contemporánea

El vocabulario armónico y rítmico del jazz continúa alimentando directamente otros géneros, notablemente el hip-hop. En un segmento de NPR de 2017, el pianista Robert Glasper explicó por qué los productores de hip-hop que buscan material melódico tienden a recurrir a grabaciones de jazz, enmarcando la relación del jazz con el hip-hop a través de la práctica del sampling — reutilizando pasajes grabados cortos como la base para nuevas pistas.