Jazzgeschichte: Von den Straßen von New Orleans zur globalen Musiksprache

Ursprünge in New Orleans

Nach Angaben des U.S. National Park Service, der den New Orleans Jazz National Historical Park verwaltet, ist die frühe Entwicklung der Musik am stärksten mit Bandleader Charles "Buddy" Bolden verbunden, der 1895 seine eigene Gruppe gründete. Boldens Ensembles bewegten sich weg von streng notierter Tanzmusik hin zu dem, was Historiker "kollektive Improvisation" nennen, bei der Bandmitglieder aufeinander aufbauten, anstatt festgelegte Teile zu lesen.

Der Park Service verfolgt die Verbreitung der Musik durch Figuren wie Kid Ory, dessen Band die Economy Hall im Treme-Viertel von New Orleans von 1908 bis 1919 als Zentrale nutzte, und Bassist Bill Johnson, der das Original Creole Orchestra in Los Angeles organisierte und es zwischen 1914 und 1918 in den gesamten USA tourte. Ein kommerzieller Durchbruch kam im Februar 1917, als die Original Dixieland Jazz Band "Livery Stable Blues" für Victor aufnahm; innerhalb von sechs Monaten nach der Veröffentlichung hatte die Schallplatte über eine Million Exemplare verkauft, nach Angaben des Park Service, was dazu beitrug, das Wort "Jazz" landesweit mit dem New-Orleans-Sound zu verbinden.

Als sich die Möglichkeiten in New Orleans verschärften, wanderten Musiker in den Norden ab. Der Kornettist Joe "King" Oliver zog nach Chicago, wo er laut Park Service ein "Anker und ein Magnet" für andere Spieler aus New Orleans wurde. Louis Armstrong trat im Sommer 1922 in Olivers Creole Jazz Band ein und nahm ab November 1925 mit seiner eigenen Hot Five-Gruppe auf, darunter im Februar 1926 "Heebie Jeebies", das Armstrongs sprachloses "Scat"-Gesang präsentierte. Bis 1927 hatte sich Armstrong mit seiner Interpretation von "Wild Man Blues" vom kollektiven Ensemblespiel befreit und seinen Status, laut Park Service, als erster Superstar des Jazz bestätigt. Pianist Jelly Roll Morton veröffentlichte 1915 "Jelly Roll Blues" und nahm später von 1926 bis 1930 mit seiner Red Hot Peppers-Gruppe auf.

Swing, Bebop und die Nachkriegswendung

In den 1930er Jahren hatte sich Jazz zu großen Tanzhallenensembles verschoben, die als Big Bands bekannt sind, eine Zeit, die allgemein als Swing-Ära bezeichnet wird. Im darauffolgenden Jahrzehnt entwickelten kleinere Musikergruppen einen schnelleren, harmonisch dichteren Stil namens Bebop. Carnegies Timeline of African American Music gibt an, dass Bebop in den 1940er Jahren entstand, als Ballroomdance zurückging und Veranstaltungsorte schlossen, was Swing-Musiker in kleinere Combos mit mehr kreativer Freiheit trieb.

Der Stil wurde in Harlems Minton's Playhouse von Trompeter Dizzy Gillespie, Saxophonist Charlie Parker und Pianisten Thelonious Monk und Earl "Bud" Powell entwickelt, laut der gleichen Quelle. Bebop ersetzte Swings regelmäßige Phrasierung durch unregelmäßige, schnelle Melodielinien und harmonisch getriebene Improvisation; Schlagzeuger Kenny Clarke und Max Roach entwickelten neue rhythmische Ansätze dafür. Carnegies Projekt zitiert Schriftsteller und Aktivist LeRoi Jones, der Bebop als mit "einem ausgeprägten Element des sozialen Protests" beschreibt, verbunden mit der Behauptung der Musiker nach künstlerischer Unabhängigkeit.

Cool Jazz und Fusion

Als Reaktion auf Bebops Komplexität entstand in den späten 1940er und 1950er Jahren ein ruhigerer, arrangementorientierter Stil namens Cool Jazz. Carnegies Projekt schreibt Miles Davis' Sessions *Birth of the Cool* (1949–1950), arrangiert mit Gil Evans, als grundlegend an, zusammen mit dem Modern Jazz Quartet und Westküstenvenues wie dem Lighthouse Cafe in Hermosa Beach. Der Stil bevorzugte weiches Spiel, dezentes Vibrato und Instrumente wie Waldhorn und Flöte, wodurch einige Jazzaufführungen von Tanzlokalen in Konzertsäle verlegt wurden.

1969 kombinierte Davis' *Bitches Brew* Jazzimprovisation mit Rock- und elektronischen Elementen, inspiriert teilweise durch Jimi Hendrix' Musik, und startete Jazz Fusion, laut Carnegies Projekt. Die gleiche Quelle nennt Herbie Hancocks *Head Hunters* (1973), Weather Reports *Sweetnighter* (1973) und das Mahavishnu Orchestra's *Birds of Fire* (1973) unter den Schlüsselaufnahmen der Ära, entstanden inmitten von Bemühungen, wie Pianist Chick Corea es ausdrückte, um ein "jüngeres, emotionaleres Publikum" zu erreichen.

Eine globale Kunstform

Jazz verbreitete sich international bereits lange vor Fusion. Carnegies Timeline-Projekt beschreibt Bandleader James Reese Europe, der frühen Jazz während des Ersten Weltkriegs nach Frankreich brachte, wobei Aufnahmen und Tourneemusiker wie Sidney Bechet seine Reichweite dort später vertieften. Japanische Musiker lernten die Musik durch Auftritte auf transpacifischen Ozeanlinern während der Jahre des Ersten Weltkriegs kennen und brachten Aufnahmen aus San Francisco zurück, laut Carnegies Projekt. Pianist Toshiko Akiyoshi wurde später eine der ersten japanischen Musikerin, die großen Erfolg in den USA erzielte, und Japan veranstaltete weiterhin große Jazzfestivals, darunter die Yokohama Jazz Promenade.

In der Karibik und Lateinamerika fusionierten Musiker wie Machito, Mario Bauzá und Chano Pozo Jazz mit afro-kubanischen Traditionen, mit Dizzy Gillespie als aktiver Mitarbeiter; diese Linie trug zu brasilianischem Jazz und Salsa bei. In Afrika popularisierte der kongolesische Musiker Franco in den 1950er–60er Jahren "kongolesischen Jazz", der Rumba und Tanzmusik vermischte, der Südafrikaner Hugh Masekela passte Jazz-Idiome in seinem Hit von 1968 "Grazing in the Grass" an, und der nigerianische Musiker Fela Kuti zog bei der Schaffung von Afrobeat auf Jazz-Big-Band-Arrangements. Amerikanische Musiker absorbierten ihrerseits auch außermusikalische Einflüsse — Pianist McCoy Tyner integrier te Elemente des japanischen Kotos, während Schlagzeuger Max Roach und Sun Ra sich auf afrikanische Schlaginstrumente beriefen, laut Carnegies Bericht.

Die UNESCO erkannte diese grenzüberschreitende Reichweite 2011 formal an, indem sie den 30. April zum Internationalen Jazztag erklärte. Pianist Herbie Hancock, ein UNESCO-Goodwill-Botschafter, war seit der Gründung eng an den Feierlichkeiten des Tages beteiligt, laut UNESCO. Die UNESCO gibt an, dass der Tag Jazzs Rolle darin markiert, "gegenseitigen Respekt für die gemeinsamen Werte, universellen Botschaften von Frieden, Freiheit und Solidarität" zu verstärken, die die Musik vermittelt, und beschreibt Jazz, in den USA geboren und in afrikanischen Traditionen verwurzelt, als ein Genre, das die Vielfalt der Welt nutzt und "mühelos Grenzen überschreitet, Menschen und Kulturen näher zusammenbringend". Bis 2023 wurde die Beobachtung in 195 Ländern gemarkiert, laut UNESCO.

Jazz in der zeitgenössischen Musik

Jazzs harmonisches und rhythmisches Vokabular speist sich weiterhin direkt in andere Genres ein, insbesondere in Hip-Hop. In einem NPR-Segment von 2017 erklärte Pianist Robert Glasper, warum Hip-Hop-Produzenten, die melodisches Material suchen, sich an Jazzaufnahmen wenden, wobei er Jazzs Beziehung zu Hip-Hop durch die Praxis des Sampling erläuterte — die Wiederverwendung kurzer aufgenommener Passages als Grundlage für neue Tracks.