爵士樂歷史：從紐奧良街道到全球音樂語言

紐奧良的起源

根據營運紐奧良爵士樂國家歷史公園的美國國家公園管理局，音樂的早期發展最主要與樂隊領袖查爾斯「巴迪」波頓有關，他在1895年組建了自己的樂團。波頓的樂團拋棄了嚴格的、記譜的舞蹈音樂，轉向史學家所謂的「集體即興演奏」，其中樂隊成員建立在彼此的音樂想法之上，而非閱讀固定的樂譜。

國家公園管理局追蹤了音樂的傳播，通過如奧裡小子(Kid Ory)等人物，他的樂團從1908年到1919年以紐奧良特雷姆社區的經濟廳(Economy Hall)場地作為總部，以及貝斯手比爾·約翰遜(Bill Johnson)，他在洛杉磯組建了最初的克里奧爾樂隊(Original Creole Orchestra)，並在1914年至1918年間在全美各地巡迴演出。商業突破出現在1917年2月，當時最初的迪克西蘭爵士樂隊(Original Dixieland Jazz Band)為維克多(Victor)唱片公司錄製了《牲口棚藍調》(Livery Stable Blues)；根據國家公園管理局的說法，發行後的六個月內，這張唱片的銷量超過一百萬張，幫助將「爵士樂」一詞與紐奧良音樂在全國范圍內聯繫起來。

隨著紐奧良的機會減少，樂手們向北遷移。短號手喬「國王」奧利佛(Joe "King" Oliver)遷往芝加哥，據國家公園管理局說，他成為了其他紐奧良樂手的「錨點和磁石」。路易斯·阿姆斯壯(Louis Armstrong)在1922年夏天加入了奧利佛的克里奧爾爵士樂隊(Creole Jazz Band)，從1925年11月開始與他自己的熱五樂隊(Hot Five)錄製唱片，包括1926年2月的《希比·吉比》(Heebie Jeebies)，其中展現了阿姆斯壯無詞的「爵士唱法」(scat)聲樂。到1927年，阿姆斯壯以他對《野人藍調》(Wild Man Blues)的詮釋，打破了集體樂團演奏，並確認了他在國家公園管理局的記載中作為爵士樂第一位超級巨星的地位。鋼琴家傑利·羅爾·莫頓(Jelly Roll Morton)在1915年出版了《傑利·羅爾藍調》(Jelly Roll Blues)，後來從1926年至1930年與他的紅辣椒樂隊(Red Hot Peppers)錄製唱片。

搖擺樂、咆勃樂和戰後轉變

到1930年代，爵士樂轉向了被稱為大樂隊(big bands)的大型舞廳樂團，這個時期通常被稱為搖擺樂時代。在隨後的十年裡，較小的樂手組合開發了一種速度更快、和聲更密集的風格，被稱為咆勃樂(bebop)。卡內基音樂廳的《非裔美國人音樂時間表》項目指出，咆勃樂在1940年代演變而來，當時舞廳舞蹈衰退，場地關閉，將搖擺樂樂手推入更小的組合中，獲得更多的創意自由。

據同一消息來源，該風格在哈萊姆的明頓樂舞廳(Minton's Playhouse)由小號手迪茲·吉萊斯皮(Dizzy Gillespie)、薩克斯風手查理·帕克(Charlie Parker)和鋼琴家塞隆尼斯·蒙克(Thelonious Monk)及厄爾「巴德」鮑威爾(Earl "Bud" Powell)開創。咆勃樂用不規則、快速節奏的樂線和以和聲驅動的即興演奏取代了搖擺樂的規則樂句；鼓手肯尼·克拉克(Kenny Clarke)和馬克斯·羅奇(Max Roach)開發了新的節奏方法來與之相配。卡內基音樂廳的項目引用了作家兼活動人士萊羅伊·瓊斯(LeRoi Jones)對咆勃樂的描述，他將其描述為帶有「明顯的社會抗議元素」，與樂手對藝術獨立的主張有關。

冷爵士樂和融合爵士樂

作為對咆勃樂複雜性的反應，一種更安靜、以編排為重點的風格被稱為冷爵士樂(cool jazz)，在1940年代末和1950年代出現。卡內基音樂廳的項目將邁爾斯·戴維斯(Miles Davis)的《冷爵士樂的誕生》(Birth of the Cool)會議(1949–1950)作為基礎，由吉爾·埃文斯(Gil Evans)編排，與現代爵士樂四重奏(Modern Jazz Quartet)以及西海岸場地如赫莫薩灘的燈塔咖啡館(Lighthouse Cafe)一起。該風格青睞柔和的音調、不浮誇的顫音和如法國號及長笛等樂器，將一些爵士樂演奏從舞廳移至音樂廳環境。

1969年，戴維斯的《巫酒》(Bitches Brew)將爵士即興演奏與搖滾和電子元素相結合，部分受到吉米·亨德里克斯(Jimi Hendrix)音樂的啟發，推動了爵士融合(jazz fusion)的發展，根據卡內基音樂廳的項目。同一消息來源列舉了赫比·漢考克(Herbie Hancock)的《獵手》(Head Hunters)(1973)、天氣報告樂隊(Weather Report)的《甜蜜之夜》(Sweetnighter)(1973)和摩訶毘紐樂隊(Mahavishnu Orchestra)的《火鳥》(Birds of Fire)(1973)作為該時代的關鍵融合錄音，在鋼琴家奇克·科瑞亞(Chick Corea)所說的「接觸更年輕、更具情感的觀眾」的努力中製作的。

全球藝術形式

爵士樂在融合之前就已經國際化傳播。卡內基音樂廳的時間表項目描述了樂隊領袖詹姆斯·里斯·歐洲(James Reese Europe)在第一次世界大戰期間將早期爵士樂引入法國，後來像西德尼·貝切(Sidney Bechet)這樣的唱片和巡迴樂手進一步深化了其在該地的影響力。根據卡內基音樂廳的項目，日本樂手在第一次世界大戰期間通過在跨太平洋海輪上巡迴演出而接觸到這種音樂，並從舊金山帶回了唱片。鋼琴家秋吉敏子(Toshiko Akiyoshi)後來成為了首批在美國取得重大成功的日本樂手之一，日本隨後舉辦了大規模爵士樂節，包括橫濱爵士樂漫步(Yokohama Jazz Promenade)。

在加勒比海和拉丁美洲，包括馬奇託(Machito)、馬里奧·鮑紮(Mario Bauzá)和查諾·波佐(Chano Pozo)在內的樂手將爵士樂與非洲古巴傳統相融合，迪茲·吉萊斯皮是積極的合作者；這一血脈線對巴西爵士樂和薩爾薩音樂有所貢獻。在非洲，剛果樂手弗朗科(Franco)在1950年–60年代推廣了「剛果爵士樂」，將倫巴和舞蹈音樂融合；南非樂手休·馬塞克拉(Hugh Masekela)在1968年的熱門曲目《在草地上放牧》(Grazing in the Grass)中改編了爵士樂成語，尼日利亞樂手費拉·庫蒂(Fela Kuti)在創作非洲節奏樂(Afrobeat)時採用了爵士大樂隊編排。美國樂手反過來也吸收了外部影響——鋼琴家麥考伊·泰納(McCoy Tyner)融合了日本古箏(koto)的元素，而鼓手馬克斯·羅奇(Max Roach)和孫·拉(Sun Ra)採用了非洲打擊樂傳統，據卡內基音樂廳的記載。

聯合國教科文組織在2011年正式承認了這一跨境影響力，宣佈4月30日為國際爵士樂日。根據聯合國教科文組織，鋼琴家赫比·漢考克(Herbie Hancock)是一位聯合國教科文組織親善大使，自該日設立以來一直密切參與其慶祝活動。聯合國教科文組織指出，該日標誌著爵士樂在「強化對該音樂傳達的共同價值觀、和平、自由和團結的普遍信息的尊重」中的作用，並將爵士樂描述為一種在美國誕生、植根於非洲傳統的音樂類型，它「毫不費力地跨越邊界，將人民和文化更加緊密地聯繫在一起」。據聯合國教科文組織稱，到2023年，這一紀念活動在195個國家被標誌。

當代音樂中的爵士樂

爵士樂的和聲和節奏詞彙繼續直接影響其他音樂類型，尤其是嘻哈音樂(hip-hop)。在2017年的美國國家公共電台(NPR)節目中，鋼琴家羅伯特·格拉斯珀(Robert Glasper)解釋了為什麼嘻哈製作人尋求旋律素材時傾向於轉向爵士樂錄音，通過採樣實踐——重用短的錄音片段作為新曲目的基礎——來構框爵士樂與嘻哈樂的關係。