La storia del jazz: dalle strade di New Orleans a un linguaggio musicale globale

Origini a New Orleans

Secondo il National Park Service degli Stati Uniti, che gestisce il New Orleans Jazz National Historical Park, lo sviluppo iniziale della musica è più strettamente associato al bandleader Charles "Buddy" Bolden, che formò il suo gruppo nel 1895. Gli ensemble di Bolden si allontanarono dalla musica da ballo rigorosamente notata verso quello che gli storici chiamano "improvvisazione collettiva", in cui i membri della banda si basavano sulle idee musicali reciproche piuttosto che leggere parti fisse.

Il Park Service traccia la diffusione della musica attraverso figure come Kid Ory, la cui band utilizzò l'Economy Hall nel quartiere Treme di New Orleans come quartier generale dal 1908 al 1919, e il bassista Bill Johnson, che organizzò la Original Creole Orchestra a Los Angeles e la portò in tournée negli Stati Uniti tra il 1914 e il 1918. Una svolta commerciale arrivò nel febbraio 1917, quando la Original Dixieland Jazz Band registrò "Livery Stable Blues" per Victor; entro sei mesi dalla pubblicazione, il disco aveva venduto più di un milione di copie, secondo il Park Service, aiutando ad associare la parola "jazz" al suono di New Orleans a livello nazionale.

Man mano che le opportunità a New Orleans si restringevano, i musicisti migrarono verso nord. Il cornettista Joe "King" Oliver si trasferì a Chicago, dove, secondo il Park Service, divenne "un'ancora e un magnete" per altri musicisti di New Orleans. Louis Armstrong si unì alla Creole Jazz Band di Oliver nell'estate del 1922, e da novembre 1925 registrò con il suo gruppo Hot Five, incluso, nel febbraio 1926, "Heebie Jeebies", che presentava il canto "scat" senza parole di Armstrong. Nel 1927, con la sua interpretazione di "Wild Man Blues", Armstrong si era liberato dal gioco collettivo d'ensemble e confermò il suo status, secondo il racconto del Park Service, come prima superstar del jazz. Il pianista Jelly Roll Morton pubblicò "Jelly Roll Blues" nel 1915 e in seguito registrò con il suo gruppo Red Hot Peppers dal 1926 al 1930.

Swing, Bebop e la virata del dopoguerra

Nel 1930, il jazz si era spostato verso grandi ensemble da sala da ballo noti come big band, un periodo generalmente chiamato era dello swing. Nel decennio successivo, gruppi più piccoli di musicisti svilupparono uno stile più veloce e armonicamente denso noto come bebop. La Timeline of African American Music del Carnegie Hall afferma che il bebop si evolse negli anni 1940 poiché il ballo da sala declinava e i locali chiudevano, spingendo i musicisti swing in combo più piccole con più libertà creativa.

Lo stile è stato pioneering al Minton's Playhouse di Harlem dal trombettista Dizzy Gillespie, dal sassofonista Charlie Parker e dai pianisti Thelonious Monk ed Earl "Bud" Powell, secondo la stessa fonte. Il bebop ha sostituito la fraseggio regolare dello swing con linee irregolari a tempo veloce e improvvisazione armonicamente guidata; i batteristi Kenny Clarke e Max Roach svilupparono nuovi approcci ritmici per abbinarvi. Il progetto del Carnegie Hall cita lo scrittore e attivista LeRoi Jones che descrive il bebop come portatore di "un elemento distinto di protesta sociale", legato all'asserzione dell'indipendenza artistica dei musicisti.

Cool Jazz e Fusion

In reazione alla complessità del bebop, uno stile più tranquillo e orientato agli arrangiamenti chiamato cool jazz emerse alla fine degli anni 1940 e negli anni 1950. Il progetto del Carnegie Hall attribuisce le sessioni *Birth of the Cool* di Miles Davis (1949–1950), arrangiati con Gil Evans, come fondamentali, insieme al Modern Jazz Quartet e ai locali della Costa Occidentale come il Lighthouse Cafe a Hermosa Beach. Lo stile favoriva il tono morbido, il vibrato contenuto e strumenti come il corno francese e il flauto, spostando alcune esibizioni di jazz dalle sale da ballo alle sale da concerto.

Nel 1969, *Bitches Brew* di Davis combinava l'improvvisazione jazz con elementi rock ed elettronici, ispirata in parte dalla musica di Jimi Hendrix, e lanciò la fusione jazz, secondo il progetto del Carnegie Hall. La stessa fonte elenca *Head Hunters* (1973) di Herbie Hancock, *Sweetnighter* (1973) di Weather Report e *Birds of Fire* (1973) della Mahavishnu Orchestra tra le registrazioni chiave dell'era, realizzate in mezzo agli sforzi, come disse il pianista Chick Corea, di raggiungere "un pubblico più giovane e più emotivo".

Un'arte globale

Il jazz si è diffuso internazionalmente ben prima della fusione. Il progetto Timeline del Carnegie Hall descrive il bandleader James Reese Europe che introduceva il jazz iniziale in Francia durante la prima guerra mondiale, con registrazioni e musicisti in tournée come Sidney Bechet che approfondivano successivamente la sua portata lì. I musicisti giapponesi incontravano la musica attraverso spettacoli su piroscafi transpacifici durante gli anni della prima guerra mondiale, riportando registrazioni da San Francisco, secondo il progetto del Carnegie Hall. La pianista Toshiko Akiyoshi divenne successivamente una delle prime musiciste giapponesi a raggiungere il successo negli Stati Uniti, e il Giappone continuò ad ospitare grandi festival jazz, incluso il Yokohama Jazz Promenade.

Nei Caraibi e nell'America Latina, musicisti come Machito, Mario Bauzá e Chano Pozo fusero il jazz con le tradizioni afro-cubane, con Dizzy Gillespie come collaboratore attivo; questa linea contribuì al jazz brasiliano e alla salsa. In Africa, il musicista congolese Franco popularizzò un "jazz congolese" che univa rumba e musica da ballo negli anni 1950–60, il sudafricano Hugh Masekela adattò idiomi jazz nel suo successo del 1968 "Grazing in the Grass", e il musicista nigeriano Fela Kuti attinse da arrangiamenti di big band jazz nella creazione dell'Afrobeat. I musicisti americani assorbivano a loro volta influenze esterne — il pianista McCoy Tyner incorporava elementi del koto giapponese, mentre i batteristi Max Roach e Sun Ra si basavano su tradizioni di percussioni africane, secondo il resoconto del Carnegie Hall.

L'UNESCO ha formalmente riconosciuto questa portata transfrontaliera nel 2011 proclamando il 30 aprile come Giornata internazionale del jazz. Il pianista Herbie Hancock, ambasciatore di buona volontà dell'UNESCO, è stato strettamente coinvolto nelle celebrazioni della giornata dalla sua fondazione, secondo l'UNESCO. L'UNESCO afferma che la giornata segna il ruolo del jazz nel "rafforzare il rispetto per i valori condivisi, i messaggi universali di pace, libertà e solidarietà" che la musica trasmette, e descrive il jazz, nato negli Stati Uniti e radicato nelle tradizioni africane, come un genere che sfrutta la diversità del mondo, "attraversando senza sforzo i confini e avvicinando persone e culture". Nel 2023, l'osservanza è stata segnata in 195 paesi, secondo l'UNESCO.

Jazz nella musica contemporanea

Il vocabolario armonico e ritmico del jazz continua ad alimentare direttamente altri generi, in particolare l'hip-hop. In un segmento NPR del 2017, il pianista Robert Glasper ha spiegato perché i produttori di hip-hop che cercano materiale melodico tendono a rivolgersi alle registrazioni di jazz, inquadrando la relazione del jazz con l'hip-hop attraverso la pratica del campionamento — il riutilizzo di brevi passaggi registrati come base per nuovi brani.