Histoire du Jazz : des Rues de la Nouvelle-Orléans à un Langage Musical Mondial

Origines à la Nouvelle-Orléans

Selon le Service des Parcs Nationaux des États-Unis, qui gère le Parc Historique National du Jazz de la Nouvelle-Orléans, le développement initial de la musique est le plus associé au chef d'orchestre Charles "Buddy" Bolden, qui a formé son propre groupe en 1895. Les ensembles de Bolden se sont éloignés de la musique de danse strictement notée vers ce que les historiens appellent l'"improvisation collective", dans laquelle les membres du groupe s'appuyaient sur les idées musicales les uns des autres plutôt que de lire des parties fixes.

Le Service des Parcs retrace la propagation de la musique à travers des figures telles que Kid Ory, dont le groupe utilisait le lieu Economy Hall dans le quartier Treme de la Nouvelle-Orléans comme siège de 1908 à 1919, et le bassiste Bill Johnson, qui a organisé l'Original Creole Orchestra à Los Angeles et l'a fait tourner dans les États-Unis entre 1914 et 1918. Une percée commerciale est venue en février 1917, quand l'Original Dixieland Jazz Band a enregistré "Livery Stable Blues" pour Victor; dans les six mois suivant la sortie, le disque avait vendu plus d'un million de copies, selon le Service des Parcs, aidant à attacher le mot "jazz" au son de la Nouvelle-Orléans au niveau national.

À mesure que les opportunités à la Nouvelle-Orléans se rétrécissaient, les musiciens ont migré vers le nord. Le cornettiste Joe "King" Oliver s'est relocalisé à Chicago, où, selon le Service des Parcs, il est devenu "une ancre et un aimant" pour les autres musiciens de la Nouvelle-Orléans. Louis Armstrong a rejoint le Creole Jazz Band d'Oliver à l'été 1922, et à partir de novembre 1925, il a enregistré avec son propre groupe Hot Five, y compris, en février 1926, "Heebie Jeebies", qui mettait en avant la vocalisation "scat" sans paroles d'Armstrong. En 1927, avec son interprétation de "Wild Man Blues", Armstrong s'était éloigné du jeu d'ensemble collectif et avait confirmé son statut, selon le récit du Service des Parcs, en tant que première superestrella du jazz. Le pianiste Jelly Roll Morton a publié "Jelly Roll Blues" en 1915 et a ensuite enregistré avec son groupe Red Hot Peppers de 1926 à 1930.

Swing, Bebop et le Tournant d'Après-Guerre

Dans les années 1930, le jazz s'était orienté vers de grands ensembles de salons de danse connus sous le nom de big bands, une période généralement appelée l'ère du swing. Dans la décennie suivante, des groupes plus petits de musiciens ont développé un style plus rapide et harmoniquement plus dense connu sous le nom de bebop. Le projet Timeline of African American Music de Carnegie Hall indique que le bebop a évolué dans les années 1940 alors que la danse de salon diminuait et que les lieux fermaient, poussant les musiciens de swing dans des petits combos avec plus de liberté créative.

Le style a été pionnier à la Minton's Playhouse de Harlem par le trompettiste Dizzy Gillespie, le saxophoniste Charlie Parker et les pianistes Thelonious Monk et Earl "Bud" Powell, selon la même source. Le bebop a remplacé la phrasing régulière du swing par des lignes irrégulières à tempo rapide et l'improvisation impulsée harmoniquement; les batteurs Kenny Clarke et Max Roach ont développé de nouvelles approches rythmiques pour l'accompagner. Le projet de Carnegie Hall cite l'écrivain et activiste LeRoi Jones décrivant le bebop comme portant "un élément distinct de protestation sociale", lié à l'affirmation de l'indépendance artistique par les musiciens.

Cool Jazz et Fusion

En réaction à la complexité du bebop, un style plus tranquille axé sur l'arrangement appelé cool jazz a émergé à la fin des années 1940 et dans les années 1950. Le projet de Carnegie Hall attribue les sessions *Birth of the Cool* de Miles Davis (1949–1950), arrangées avec Gil Evans, comme fondamentales, aux côtés du Modern Jazz Quartet et des lieux de la Côte Ouest tels que le Lighthouse Cafe à Hermosa Beach. Le style favorisait le ton doux, le vibrato discret et des instruments tels que le cor français et la flûte, déplaçant certaines performances de jazz des salons de danse vers les salles de concert.

En 1969, *Bitches Brew* de Davis a combiné l'improvisation de jazz avec des éléments de rock et électroniques, inspiré en partie par la musique de Jimi Hendrix, et a lancé la fusion du jazz, selon le projet de Carnegie Hall. La même source énumère *Head Hunters* (1973) de Herbie Hancock, *Sweetnighter* (1973) de Weather Report et *Birds of Fire* (1973) du Mahavishnu Orchestra parmi les enregistrements clés de fusion de l'époque, réalisés au milieu d'efforts, comme l'a dit le pianiste Chick Corea, pour atteindre "un public plus jeune et plus émotionnel".

Une Forme d'Art Mondiale

Le jazz s'est propagé internationalement bien avant la fusion. Le projet Timeline de Carnegie Hall décrit le chef d'orchestre James Reese Europe introduisant le jazz initial en France pendant la Première Guerre Mondiale, avec des enregistrements et des musiciens en tournée tels que Sidney Bechet approfondissant plus tard sa portée là-bas. Les musiciens japonais ont rencontré la musique via des tournées sur des paquebots transatlantiques transpacifiques pendant les années de la Première Guerre Mondiale, ramenant des enregistrements de San Francisco, selon le projet de Carnegie Hall. La pianiste Toshiko Akiyoshi est devenue plus tard l'une des premières musiciens japonaises à réussir largement aux États-Unis, et le Japon a continué à accueillir de grands festivals de jazz, y compris le Yokohama Jazz Promenade.

Dans les Caraïbes et en Amérique latine, des musiciens dont Machito, Mario Bauzá et Chano Pozo ont fusionné le jazz avec les traditions afro-cubaines, Dizzy Gillespie étant un collaborateur actif; cette lignée a contribué au jazz brésilien et à la salsa. En Afrique, le musicien congolais Franco a popularisé un "jazz congolais" mélangeant rumba et musique de danse dans les années 50–60, le Sud-Africain Hugh Masekela a adapté les idiomes du jazz sur son succès de 1968 "Grazing in the Grass", et le musicien nigérian Fela Kuti s'est inspiré des arrangements de big band de jazz pour créer l'Afrobeat. Les musiciens américains ont également absorbé les influences extérieures à leur tour — le pianiste McCoy Tyner a incorporé les éléments du koto japonais, tandis que les batteurs Max Roach et Sun Ra se sont inspirés des traditions de percussion africaine, selon le récit de Carnegie Hall.

L'UNESCO a formellement reconnu cette portée transfrontalière en 2011 en proclamant le 30 avril comme Journée Internationale du Jazz. La pianiste Herbie Hancock, une Ambassadrice de Bonne Volonté de l'UNESCO, a été étroitement impliquée dans les célébrations du jour depuis sa fondation, selon l'UNESCO. L'UNESCO déclare que le jour marque le rôle du jazz dans "le renforcement du respect des valeurs partagées, messages universels de paix, liberté et solidarité" que la musique transmet, et décrit le jazz, né aux États-Unis et enraciné dans les traditions africaines, comme un genre qui exploite la diversité du monde, "traversant sans effort les frontières et rapprochant les peuples et les cultures". En 2023, l'observance a été marquée dans 195 pays, selon l'UNESCO.

Le Jazz dans la Musique Contemporaine

Le vocabulaire harmonique et rythmique du jazz continue à alimenter directement d'autres genres, notamment le hip-hop. Dans un segment de NPR de 2017, le pianiste Robert Glasper a expliqué pourquoi les producteurs de hip-hop à la recherche de matériel mélodique ont tendance à se tourner vers les enregistrements de jazz, encadrant la relation du jazz avec le hip-hop à travers la pratique du sampling — réutilisation de courts passages enregistrés comme base pour de nouvelles pistes.