संगीत · लेख
शास्त्रीय संगीत आज के संगीतकारों और संगीत सिद्धांत को कैसे आकार देता है
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संक्षेप में
शास्त्रीय-युग का सामंजस्य, प्रतिपक्ष और रूप अभी भी संरचना प्रशिक्षण का प्रारंभिक बिंदु है, और कई कार्यरत संगीतकार कहते हैं कि वे सीधे Bach, Beethoven और अन्य शास्त्रीय-युग के संगीतकारों की सामग्री को अपने नए टुकड़ों में पुनः काम करते हैं। Juilliard का अपना पाठ्यक्रम सूची प्रतिपक्ष को पश्चिमी संगीत वाक्य विन्यास में एक संरचनात्मक, नियंत्रण करने वाली शक्ति के रूप में वर्णित करता है न कि एक ऐतिहासिक जिज्ञासा के रूप में, जबकि John Adams से Hildur Guðnadóttir तक के संगीतकार अपनी वर्तमान विधियों को शास्त्रीय प्रशिक्षण तक ट्रेस करते हैं।
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कि शास्त्रीय संगीत कैसे आज के संगीत में फीड करता है यह प्रश्न खोजों, कक्षाओं और साक्षात्कारों में लगातार उठता है, क्योंकि उत्तर सार नहीं है: विशिष्ट संगीतकार शास्त्रीय-युग की तकनीक के विशिष्ट टुकड़ों की ओर इशारा करते हैं, और विशिष्ट स्कूल अभी भी उस तकनीक को संरचना में प्रवेश के रूप में सिखाते हैं। यह टुकड़ा कोर्स सामग्री और अभिलेखबद्ध साक्षात्कारों पर आकर्षित करता है कॉन्सर्ट संगीत और फिल्म में काम करने वाले संगीतकारों के साथ यह दिखाने के लिए कि नाम दिए गए उदाहरणों के साथ, वह प्रभाव कहां प्रलेखित है।
शास्त्रीय सिद्धांत अभी भी संरचना प्रशिक्षण को एंकर करता है
Juilliard School में, संरचना छात्रों के लिए उन्नत प्रतिपक्ष पाठ्यक्रम स्कूल के अपने सूची में प्रतिपक्ष को एक ऐतिहासिक, शैली-आधारित अध्ययन के रूप में नहीं बल्कि पश्चिमी संगीत वाक्य विन्यास में एक मौलिक, संरचनात्मक बल के रूप में वर्णित करता है। पाठ्यक्रम Bach से समकालीन संगीतकारों तक की रचना को कवर करता है, और स्कूल की बुनियादी सिद्धांत अनुक्रम diatonic सामंजस्य और भाग-लेखन की ओर बनाती है, यह शब्दावली 18वीं और 19वीं सदियों में विकसित की गई थी, इससे पहले कि छात्र संरचना डिग्री में चले जाएं। दूसरे शब्दों में, शास्त्रीय-युग की नियमावली अभी भी पहली नियमावली है कि संरचना छात्र खोलते हैं, यहां तक कि जब उनका अपना संगीत बिल्कुल भी शास्त्रीय नहीं लगता।
एक प्रलेखित मामला: Beethoven को पुनः काम करना
अमेरिकी संगीतकार John Adams ने एक NPR साक्षात्कार में, अपने दो ही टुकड़ों के बारे में वर्णित किया है जो सीधे Beethoven की सामग्री से निर्मित हैं। पहला, Grand Pianola Music, 1983 में New York Philharmonic के साथ शुरुआत की और Beethoven को एक हल्के-फुल्के तरीके से संदर्भित किया; Adams ने NPR को बताया कि प्रीमियर में दर्शकों ने नाराजगी जताई, और कुछ साथी संगीतकारों ने आपत्ति की क्योंकि उन्होंने tonal, शास्त्रीय-सुनती सामग्री को पिछड़ी-दिखने वाली और नास्टलजिक के रूप में देखा, एक ऐसे समय में जब नई-संगीत दुनिया अभी भी tonality बनाम dissonance पर बहस कर रही थी।
मैंने कुछ अपने पसंदीदा Beethoven से बहुत, बहुत छोटे melodic fragments लिए।
लगभग तीन दशक बाद, Adams ने Absolute Jest के लिए एक संबंधित विधि का उपयोग किया, जो एक string quartet और ऑर्केस्ट्रा के लिए एक कॉन्सर्टो है। उन्होंने कहा कि दृष्टिकोण Stravinsky के Pulcinella से प्रेरित था, जो Baroque-युग सामग्री को पुनः काम करता है, और अपनी स्वयं की प्रक्रिया को sampling की तुलना में वर्णित किया: वह Beethoven से छोटे harmonic fragments लेता है, फिर उन्हें transpose करता है, उन्हें invert करता है, उन्हें stretch या compress करता है, और अपनी स्वयं की compositional प्रक्रिया के माध्यम से उन्हें चलाता है।
आज काम कर रहे संगीतकारों के पीछे शास्त्रीय प्रशिक्षण
संगीतकार और violinist Caroline Shaw, जिन्होंने 2013 में 30 वर्ष की आयु में संगीत के लिए Pulitzer Prize जीता, उस समय सबसे कम उम्र का प्राप्त करने वाले, Rice University और Yale School of Music से violin performance में डिग्री रखते हैं और Princeton में doctoral studies का पीछा किया, एक NPR Music profile के अनुसार। यही profile नोट करता है कि Shaw ने जानबूझकर मूल Brahms-और-Beethoven repertoire पर करियर बनाने के standard path से बचा है, बजाय folk music, dance collaborations और अन्य genres में विस्तार कर रहे हैं — अपने शास्त्रीय प्रशिक्षण को एक सीमा के बजाय एक आधार के रूप में उपयोग करते हुए।
Icelandic संगीतकार Hildur Guðnadóttir, एक classically प्रशिक्षित cellist जो टेलीविजन और फिल्म scoring के लिए जाने जाते हैं, ने साक्षात्कार outlet The Talks को बताया कि एक शास्त्रीय साधन का practice करने के लिए आवश्यक एकान्त अनुशासन उसे अपने आप को जानने के लिए स्थान देता है। उन्होंने इस grounding को निर्देशकों और ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखने की collaborative प्रक्रिया से अलग लेकिन पूरक के रूप में वर्णित किया, और अपने patient, detail-focused working तरीके को शास्त्रीय instrumental प्रशिक्षण के दौरान गठित आदतों से जोड़ा।
| संगीतकार / संस्था | क्या प्रलेखित है | स्रोत |
|---|---|---|
| John Adams, concert-hall संगीतकार | Grand Pianola Music (1983) और Absolute Jest में Beethoven से छोटे harmonic fragments को पुनः काम किया, एक विधि जिसे उन्होंने sampling से तुलना की | NPR साक्षात्कार, Texas Public Radio द्वारा किया गया |
| Caroline Shaw, composer-performer | Rice University और Yale से Violin performance डिग्री; Princeton में doctoral study; 2013 में 30 वर्ष की आयु में संगीत के लिए Pulitzer Prize जीता, उस समय सबसे कम उम्र का विजेता | NPR Music profile, MPR/Your Classical |
| Hildur Guðnadóttir, फिल्म संगीतकार | Classically प्रशिक्षित cellist; कहती हैं कि solo instrumental practice ने उसके patient, detail-oriented composing process को आकार दिया | साक्षात्कार, The Talks |
| The Juilliard School | Counterpoint और diatonic harmony को पश्चिमी संगीत वाक्य विन्यास में एक संरचनात्मक, नियंत्रण बल के रूप में सिखाया जाता है, Bach से समकालीन संगीतकारों तक repertoire पर लागू | Juilliard course catalog |
- Conservatory composition programs, जैसे Juilliard का, अभी भी शास्त्रीय-युग के species counterpoint और diatonic harmony पर बनाते हैं, जीवंत tools के रूप में सिखाए जाते हैं न कि history।
- कम से कम एक कार्यरत संगीतकार, John Adams, सार्वजनिक रूप से कह चुका है कि वह Beethoven से literal harmonic fragments को नए टुकड़ों में पुनः काम करता है।
- शास्त्रीय प्रशिक्षण संगीतकारों को शास्त्रीय-ध्वनि वाले output तक सीमित नहीं करता है: Caroline Shaw ने अपना एक आधार के रूप में उपयोग किया है ऐसे काम के लिए जो मानक repertoire से बहुत परे जाता है।
- शास्त्रीय instrumental practice में गठित आदतें non-classical fields में ले जा सकती हैं, जैसा कि Hildur Guðnadóttir फिल्म scoring के संबंध में वर्णित करती हैं।
आम-प्रथा toolkit क्यों बनी रहती है
यहां उद्धृत संगीतकारों या संस्थाओं में से कोई भी शास्त्रीय-युग की तकनीक को एक अंत के रूप में प्रस्तुत नहीं करता है। Juilliard की सूची स्पष्ट रूप से counterpoint को एक ऐतिहासिक, शैली-आधारित अध्ययन के बजाय एक संरचनात्मक उपकरण के रूप में frames करता है; Adams अपने Beethoven fragments को अपनी स्वयं की compositional voice द्वारा पुनः कार्य की गई raw material के रूप में frames करते हैं; Shaw अपनी शास्त्रीय डिग्री को एक launching point के रूप में frames करती हैं जिसे वह तब से आगे बढ़ गई है; Guðnadóttir अपनी cello प्रशिक्षण को एक genre commitment के बजाय एक working discipline के रूप में frames करती हैं। एक साथ लिए जाएं तो, ये प्रलेखित cases एक pattern का वर्णन करते हैं जिसमें शास्त्रीय-युग की harmony, counterpoint और formal प्रशिक्षण shared starting vocabulary रहती है, यहां तक कि जब परिणामी संगीत शास्त्रीय-युग में लिखे गए किसी भी चीज़ से व्यापक रूप से अलग होता है।
प्रश्न
- क्या शास्त्रीय संगीत सिद्धांत का अध्ययन non-शास्त्रीय संगीत लिखने में मदद करता है?
- Conservatories जैसे Juilliard counterpoint और diatonic harmony को पश्चिमी संगीत के लिए सामान्य संरचनात्मक उपकरण के रूप में सिखाते हैं, Bach से आज तक repertoire पर लागू करते हुए न कि केवल ऐतिहासिक शैली के रूप में, स्कूल के अपने course catalog के अनुसार।
- क्या एक संगीतकार ने वास्तव में Beethoven सामग्री को एक नए टुकड़े में पुनः काम किया?
- हां — John Adams ने NPR को बताया कि उन्होंने Beethoven से छोटे harmonic fragments लिए और अपनी compositional process के माध्यम से उन्हें पुनः काम किया अपने टुकड़ों Grand Pianola Music (1983) और Absolute Jest में, तकनीक की तुलना sampling से करते हुए।
- Adams के Beethoven-referencing टुकड़े के प्रीमियर के समय क्या हुआ?
- जब New York Philharmonic ने 1983 में Grand Pianola Music का प्रीमियर किया, दर्शकों का एक हिस्सा booed गया, और Adams ने कहा कि कुछ संगीतकारों ने आपत्ति की क्योंकि उन्होंने tonal, शास्त्रीय-सुनती सामग्री को पिछड़ी-दिखने वाली और nostalgic के रूप में देखा उस समय में।
- क्या एक शास्त्रीय पृष्ठभूमि Caroline Shaw के Pulitzer Prize की व्याख्या करती है?
- Shaw के पास Rice University और Yale से violin performance में डिग्री है और Princeton में doctoral studies का पीछा किया इससे पहले कि वह 2013 में 30 वर्ष की आयु में संगीत के लिए Pulitzer Prize जीतीं, उस समय सबसे कम उम्र का प्राप्तकर्ता, एक NPR Music profile के अनुसार; यही profile नोट करता है कि वह तब से standard शास्त्रीय repertoire से आगे बढ़ गई हैं।
- शास्त्रीय प्रशिक्षण concert hall में नहीं, फिल्म में काम करने वाले संगीतकारों को कैसे प्रभावित करती है?
- Hildur Guðnadóttir, एक classically प्रशिक्षित cellist जो फिल्म और टेलीविजन के लिए compose करती हैं, ने The Talks के साथ एक साक्षात्कार में कहा कि एक शास्त्रीय साधन को practice करने के लिए आवश्यक एकान्त अनुशासन उसके patient, detail-focused composing approach को आकार देता है।
स्रोत
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