Cómo la música clásica continúa moldeando a los compositores y la teoría musical actual

La pregunta de cómo la música clásica se filtra en la música hecha hoy surge constantemente en búsquedas, aulas y entrevistas, porque la respuesta no es abstracta: compositores específicos señalan piezas específicas de técnica de la época clásica, y escuelas específicas aún enseñan esa técnica como el punto de entrada a la composición. Este artículo se basa en materiales de cursos y entrevistas grabadas con compositores que trabajan en música de concierto y cine para mostrar, con ejemplos nombrados, dónde se documenta esa influencia.

La teoría clásica aún ancla la formación compositiva

En la Escuela Juilliard, el curso avanzado de contrapunto para estudiantes de composición se describe en el propio catálogo de la escuela no como un estudio histórico basado en estilos, sino como una fuerza fundamental y estructural en la sintaxis de la música occidental. El curso cubre un repertorio que va desde Bach hasta compositores contemporáneos, y la secuencia de teoría fundamental de la escuela construye hacia la armonía diatónica y la escritura a cuatro partes, el vocabulario desarrollado en los siglos XVIII y XIX, antes de que los estudiantes se pasen a programas de composición. En otras palabras, el conjunto de reglas de la época clásica sigue siendo el primer conjunto de reglas que abren los estudiantes de composición, incluso cuando su propia música no sonará clásica en absoluto.

Un caso documentado: rehaciendo a Beethoven

El compositor estadounidense John Adams ha descrito, en una entrevista de NPR, dos de sus propias piezas construidas directamente a partir del material de Beethoven. La primera, Grand Pianola Music, se estrenó con la Filarmónica de Nueva York en 1983 y hizo referencia a Beethoven de una manera burlona; Adams le dijo a NPR que los espectadores abuchearon en el estreno, y que algunos compositores colegas se opusieron porque veían el material tonal y de sonoridad clásica como retrógrado y nostálgico, en un momento en que el mundo de la música nueva seguía argumentando sobre la tonalidad versus la disonancia.

Aproximadamente tres décadas después, Adams utilizó un método relacionado para Absolute Jest, un concierto para cuarteto de cuerda y orquesta. Dijo que el enfoque fue inspirado por Pulcinella de Stravinsky, que rehace material de la época Barroca, y describió su propio proceso como comparable al muestreo: toma pequeños fragmentos armónicos de Beethoven, luego los transpone, los invierte, los estira o los comprime, y los hace pasar por su propio proceso compositivo.

Formación clásica detrás de compositores que trabajan hoy

La compositora y violinista Caroline Shaw, quien ganó el Premio Pulitzer de Música en 2013 a los 30 años, siendo la receptora más joven en ese momento, tiene títulos en interpretación de violín de la Universidad Rice y la Escuela de Música de Yale y realizó estudios de doctorado en Princeton, según un perfil de NPR Music. El mismo perfil señala que Shaw ha evitado deliberadamente el camino estándar de construir una carrera basada en el repertorio central de Brahms y Beethoven, extendiéndose hacia la música folclórica, colaboraciones de danza y otros géneros — utilizando su formación clásica como base en lugar de como límite.

La compositora islandesa Hildur Guðnadóttir, una violoncelista con formación clásica conocida por la composición de televisión y cine, le dijo al medio de entrevista The Talks que la disciplina solitaria requerida para practicar un instrumento clásico le da espacio para llegar a conocerse a sí misma. Describió ese fundamento como distinto de, pero complementario a, el proceso colaborativo de escribir para directores y orquestas, y vinculó su forma paciente y enfocada en detalles de trabajar con hábitos formados durante la formación instrumental clásica.

• Los programas de composición de conservatorio, como el de Juilliard, aún se construyen sobre el contrapunto de especies y la armonía diatónica de la época clásica, enseñados como herramientas vivas en lugar de historia.
• Al menos un compositor en activo, John Adams, ha dejado constancia de que rehace fragmentos armónicos literales de Beethoven en nuevas piezas.
• La formación clásica no confina a los compositores a una salida de sonoridad clásica: Caroline Shaw ha utilizado la suya como base para un trabajo que va bien más allá del repertorio estándar.
• Los hábitos formados en la práctica instrumental clásica pueden llevar a campos no clásicos, como describe Hildur Guðnadóttir en relación con la composición cinematográfica.

Por qué el conjunto de herramientas de práctica común persiste

Ninguno de los compositores o instituciones citados aquí presentan la técnica de la época clásica como un fin en sí misma. El catálogo de Juilliard enmarca explícitamente el contrapunto como una herramienta estructural en lugar de un estilo a imitar; Adams enmarca sus fragmentos de Beethoven como material bruto reformado por su propia voz compositiva; Shaw enmarca sus títulos clásicos como un punto de lanzamiento del que desde entonces se ha alejado; Guðnadóttir enmarca su formación en violonchelo como una disciplina laboral en lugar de un compromiso de género. En conjunto, estos casos documentados describen un patrón en el cual la armonía, el contrapunto y la formación formal de la época clásica siguen siendo el vocabulario inicial compartido, incluso cuando la música resultante diverge ampliamente de cualquier cosa escrita en la época clásica en sí.