Wie klassische Musik die Komponisten und Musiktheorie von heute noch immer prägt

Die Frage, wie klassische Musik in die heute produzierte Musik einfließt, kommt in Suchanfragen, Klassenzimmern und Interviews ständig auf, denn die Antwort ist nicht abstrakt: Spezifische Komponisten verweisen auf spezifische Stücke klassischer Technik, und spezifische Schulen unterrichten diese Technik immer noch als Einstiegspunkt in die Komposition. Dieser Artikel stützt sich auf Kursmaterialien und Interviews mit Komponisten, die im Konzertmusik- und Filmbereich arbeiten, um mit benannten Beispielen zu zeigen, wo dieser Einfluss dokumentiert ist.

Klassische Theorie verankert immer noch die Kompositionsausbildung

An der Juilliard School wird der fortgeschrittene Kontrapunktkurs für Kompositionsstudenten in dem eigenen Katalog der Schule so beschrieben, dass der Kontrapunkt nicht als historisches, stilbasiertes Studium behandelt wird, sondern als fundamentale, strukturelle Kraft in der Syntax der westlichen Musik. Der Kurs behandelt Werke von Bach bis zu zeitgenössischen Komponisten, und die grundlegende Theoriesequenz der Schule führt zu Diatonik und Stimmführung hin, dem im 18. und 19. Jahrhundert entwickelten Vokabular, bevor die Studenten in Kompositionsprogramme übergehen. Mit anderen Worten: Das Regelwerk der Klassik ist immer noch das erste Regelwerk, das Kompositionsstudenten öffnen, auch wenn ihre eigene Musik überhaupt nicht klassisch klingen wird.

Ein dokumentierter Fall: Beethoven überarbeiten

Der amerikanische Komponist John Adams hat in einem NPR-Interview zwei seiner eigenen Stücke beschrieben, die direkt aus Beethovens Material gebaut wurden. Das erste, Grand Pianola Music, feierte 1983 mit dem New York Philharmonic Premiere und referenzierte Beethoven auf ironische Weise; Adams sagte der NPR, dass Publikum bei der Premiere boote, und dass einige Mitkomponisten Einwände hatten, weil sie tonales, klassisch klingendes Material als rückwärtsgewandt und nostalgisch betrachteten, zu einer Zeit, als die neue Musikwelt immer noch über Tonalität versus Dissonanz debattierte.

Etwa drei Jahrzehnte später verwendete Adams eine verwandte Methode für Absolute Jest, ein Konzert für Streichquartett und Orchester. Er sagte, der Ansatz sei von Strawinskys Pulcinella inspiriert, das Barockmusik überarbeitet, und beschrieb seinen eigenen Prozess als vergleichbar mit Sampling: Er nimmt kleine harmonische Fragmente von Beethoven, transponiert sie dann, invertiert sie, dehnt oder komprimiert sie und führt sie durch seinen eigenen Kompositionsprozess.

Klassisches Training hinter heute arbeitenden Komponisten

Komponistin und Violinistin Caroline Shaw, die 2013 mit 30 Jahren den Pulitzer-Preis für Musik gewann und damit die jüngste Preisträgerin zur damaligen Zeit war, hat Abschlüsse in Violinperformance von der Rice University und Yale School of Music und absolvierte Doktoralstudien an Princeton, wie ein NPR-Musikprofil zeigt. Das gleiche Profil vermerkt, dass Shaw bewusst den Standardweg vermieden hat, eine Karriere auf dem Kern des Brahms-und-Beethoven-Repertoires aufzubauen, sondern sich stattdessen in Volksmusik, Tanzkooperationen und andere Genres ausdehnte – indem sie ihre klassische Ausbildung als Grundlage und nicht als Grenze nutzte.

Isländische Komponistin Hildur Guðnadóttir, eine klassisch ausgebildete Cellistin, die für Fernseh- und Filmkomposition bekannt ist, sagte dem Interviewportal The Talks, dass die einsame Disziplin, die erforderlich ist, um ein klassisches Instrument zu üben, ihr Raum gibt, sich selbst kennenzulernen. Sie beschrieb diese Grundlage als verschieden von, aber komplementär zu dem Kooperationsprozess des Schreibens für Regisseure und Orchester, und verband ihre geduldige, detailorientierte Arbeitsweise mit Gewohnheiten, die während klassischer Instrumentalausbildung geformt wurden.

• Konservatoriums-Kompositionsprogramme wie das der Juilliard-Schule bauen immer noch auf Kontrapunkt und Diatonik aus der klassischen Ära auf, unterrichtet als lebendige Werkzeuge statt Geschichte.
• Mindestens ein arbeitender Komponist, John Adams, hat sich zu Wort gemeldet und gesagt, dass er wörtliche harmonische Fragmente von Beethoven in neue Stücke überarbeitet.
• Klassische Ausbildung beschränkt Komponisten nicht auf klassisch klingende Ausgaben: Caroline Shaw hat ihre als Grundlage für Arbeiten verwendet, die weit über Standardrepertoire hinausgehen.
• Die während klassischer Instrumentalpraxis geformten Gewohnheiten können in nicht-klassische Bereiche hineingetragen werden, wie Hildur Guðnadóttir dies im Verhältnis zu Filmkomposition beschreibt.

Warum das Common-Practice-Toolkit bestehen bleibt

Keiner der hier zitierten Komponisten oder Institutionen präsentiert klassische Technik als Selbstzweck. Der Katalog der Juilliard beschreibt den Kontrapunkt explizit als Strukturwerkzeug statt als Stil zum Imitieren; Adams beschreibt seine Beethoven-Fragmente als Rohmaterial, das von seiner eigenen kompositorischen Stimme umgeformt wurde; Shaw beschreibt ihre klassischen Abschlüsse als Sprungbrett, das sie seitdem hinter sich gelassen hat; Guðnadóttir beschreibt ihr Cellounterricht als Arbeitsdisziplin statt als Genreverpflichtung. Zusammengenommen beschreiben diese dokumentierten Fälle ein Muster, in dem klassische Harmonik, Kontrapunkt und formale Ausbildung das gemeinsame Startvokabular bleiben, auch wenn die resultierende Musik weit von allem abweicht, das in der klassischen Ära selbst geschrieben wurde.