Come la musica classica continua a plasmare i compositori e la teoria musicale di oggi

La questione di come la musica classica si riversa nella musica creata oggi emerge costantemente nelle ricerche, nelle aule e nelle interviste, perché la risposta non è astratta: compositori specifici si riferiscono a specifici brani di tecnica dell'era classica, e scuole specifiche insegnano ancora quella tecnica come punto d'ingresso nella composizione. Questo articolo si basa su materiali di corso e interviste on-the-record con compositori che lavorano nella musica da concerto e nel cinema per mostrare, con esempi nominati, dove quell'influenza è documentata.

La teoria classica ancora ancora ancore la formazione compositiva

Alla Juilliard School, il corso di contrappunto avanzato per gli studenti di composizione è descritto nel catalogo stesso della scuola come il trattamento del contrappunto non come uno studio storico, basato sullo stile, ma come una forza fondamentale e strutturale nella sintassi della musica occidentale. Il corso copre il repertorio che va da Bach ai compositori contemporanei, e la sequenza di teoria fondamentale della scuola costruisce verso l'armonia diatonica e la condotta delle parti, il vocabolario sviluppato nel 18° e 19° secolo, prima che gli studenti entrino in diplomi di composizione. In altre parole, il codice delle regole dell'era classica è ancora il primo codice di regole che gli studenti di composizione aprono, anche quando la loro stessa musica non suonerà affatto classica.

Un caso documentato: rielaborare Beethoven

Il compositore americano John Adams ha descritto, in un'intervista NPR, due dei suoi propri brani costruiti direttamente dal materiale di Beethoven. Il primo, Grand Pianola Music, ha avuto la sua prima rappresentazione con la New York Philharmonic nel 1983 e ha fatto riferimento a Beethoven in modo scherzoso; Adams ha detto a NPR che il pubblico ha fischiato alla prima rappresentazione, e che alcuni colleghi compositori si sono opposti perché consideravano il materiale tonale e classico come nostalgico e retrogrado, in un momento in cui il mondo della musica nuova stava ancora discutendo della tonalità rispetto alla dissonanza.

Circa tre decenni dopo, Adams ha usato un metodo correlato per Absolute Jest, un concerto per quartetto d'archi e orchestra. Ha detto che l'approccio era ispirato da Pulcinella di Stravinsky, che rielabora il materiale dell'era barocca, e ha descritto il suo stesso processo come paragonabile al campionamento: prende piccoli frammenti armonici da Beethoven, quindi li traspone, li inverte, li allunga o li comprime, e li passa attraverso il suo processo compositivo.

Formazione classica dietro compositori che lavorano oggi

La compositrice e violinista Caroline Shaw, che ha vinto il Pulitzer Prize for Music nel 2013 all'età di 30 anni, rendendola la destinataria più giovane all'epoca, detiene lauree in prestazioni di violino dalla Rice University e Yale School of Music e ha perseguito studi di dottorato a Princeton, secondo un profilo NPR Music. Lo stesso profilo nota che Shaw ha deliberatamente evitato il percorso standard di costruzione di una carriera sul repertorio centrale di Brahms e Beethoven, invece allungandosi in musica popolare, collaborazioni di danza e altri generi — usando la sua formazione classica come base piuttosto che come un confine.

La compositrice islandese Hildur Guðnadóttir, una violoncellista classicamente addestrata nota per la composizione televisiva e cinematografica, ha detto al punto di intervista The Talks che la disciplina solitaria richiesta per praticare uno strumento classico le dà lo spazio per conoscere se stessa. Ha descritto quella base come distinta da, ma complementare al, processo collaborativo di scrivere per registi e orchestre, e ha collegato il suo modo di lavorare paziente e dettagliato alle abitudini formate durante la formazione strumentale classica.

• I programmi di composizione del conservatorio, come quello della Juilliard School, si basano ancora sulla contrappuntistica e l'armonia diatonica dell'era classica, insegnate come strumenti vivi piuttosto che storia.
• Almeno un compositore che lavora, John Adams, si è registrato dicendo che rielabora frammenti armonici letterali da Beethoven in nuovi brani.
• La formazione classica non confina i compositori a output che suonano classici: Caroline Shaw ha usato la sua come base per il lavoro che si muove ben al di là del repertorio standard.
• Le abitudini formate nella pratica strumentale classica possono trasportarsi in campi non classici, come Hildur Guðnadóttir descrive in relazione alla composizione cinematografica.

Perché persiste il toolkit della pratica comune

Nessuno dei compositori o istituzioni citati qui presenta la tecnica dell'era classica come un fine in sé. Il catalogo della Juilliard esplicitamente incornicia il contrappunto come uno strumento strutturale piuttosto che uno stile da imitare; Adams incornicia i suoi frammenti di Beethoven come materiale grezzo riplasmato dalla sua voce compositiva; Shaw incornicia i suoi diplomi classici come un trampolino di lancio che ha da allora superato; Guðnadóttir incornicia la sua formazione in violoncello come una disciplina lavorativa piuttosto che un impegno di genere. Nel complesso, questi casi documentati descrivono uno schema in cui l'armonia dell'era classica, il contrappunto e la formazione formale rimangono il vocabolario di partenza condiviso, anche se la musica risultante diverge ampiamente da qualsiasi cosa scritta nell'era classica stessa.