थिएटर प्रदर्शन के प्रकार समझाए गए: प्राचीन नाटक से समकालीन मंच तक

जो लोग "थिएटर के प्रकार" खोजते हैं वे आमतौर पर एक लंबे, शाखाओं वाले इतिहास को समझने की कोशिश कर रहे हैं: एक ग्रीक कोरस वही नहीं कर रहा है जो एक कबुकी अभिनेता कर रहा है, और बेकेट का "Waiting for Godot" ब्रॉडवे संगीत की तरह एक ही नियमों का पालन नहीं करता। यह खंड प्रमुख प्रदर्शन परंपराओं को कालक्रमानुसार रखता है, उनके दस्तावेज़ित मूल से लेकर आज भी मंचित रूपों तक, शैक्षणिक और संस्थागत स्रोतों से तैयार तथ्यों का उपयोग करते हुए।

प्राचीन यूनान: त्रासदी, कॉमेडी और सेटिर नाटक

विश्व इतिहास विश्वकोश के अनुसार, ग्रीक कॉमेडी की सटीक शुरुआत अदस्तावेज़ित है, लेकिन 6वीं शताब्दी ईसा पूर्व की मिट्टी की मूर्तियों में पहले से ही अभिनेताओं को अतिरंजित पोशाक में दिखाया गया है, और अरस्तू ने कॉमेडी की एक शाखा को डायोनिसस के सम्मा��� में गाए जाने वाले फालिक गीतों तक पता लगाया। त्रासदी और कॉमेडी को एक ही धार्मिक त्योहारों में सेटिर नाटकों के साथ प्रस्तुत किया गया था, और साथ में "सभी आधुनिक थिएटर की नींव बनाते हैं," विश्वकोश बताता है।

शैली दो चरणों में विभाजित हुई। Old Comedy ने 5वीं शताब्दी ईसा पूर्व पर हावी किया, जिसका नेतृत्व अरिस्टोफेनेस (c. 460–380 ईसा पूर्व) ने किया, जिनका Acharnians (425 ईसा पूर्व) सबसे पुरानी पूर्ण कॉमेडी है जो बची हुई है; इसने काल्पनिक भूखंडों और सीधी राजनीतिक व्यंग्य को प्राथमिकता दी। New Comedy 4वीं शताब्दी के अंत में पीछे आई, जिसका नेतृत्व Menander (c. 342–291 ईसा पूर्व) ने किया, जिन्होंने लगभग 100 नाटक लिखे और ध्यान को घरेलू परिस्थितियों और आवर्ती स्टॉक चरित्रों की ओर स्थानांतरित किया, नामित सार्वजनिक आंकड़ों पर हमले की बजाय।

जापान का नकाबपोश नृत्य-नाटक: नोह, क्योगन और कबुकी

नोह 14वीं शताब्दी में आकार लेने लगा जब अभिनेता Kan'ami Kiyotsugu ने Yusaki-za troupe की स्थापना की, और उनके पुत्र Zeami Motokiyo ने इस रूप को परिष्कृत किया और लगभग पचास नाटक रचे जो आज भी प्रदर्शित किए जाते हैं, EBSCO की Noh नाटक पर शोध-प्रारंभिक प्रविष्टि के अनुसार। नोह सुव्यवस्थित आंदोलन, विस्तृत मुखौटे और एक एकल मुख्य अभिनेता, shite पर निर्भर करता है, जो सामान्य संवाद की बजाय नृत्य और संगीत के माध्यम से भावना व्यक्त करता है। Kyogen नामक कॉमेडी अंतरालिकाएँ नोह नाटकों के बीच मंचित की जाती हैं; संयुक्त कार्यक्रम Nogaku के नाम से जाना जाता है।

UNESCO ने 2001 में Nogaku को मानवता की मौखिक और अमूर्त विरासत की मास्टरपीस घोषित किया और 2008 में इसे मानवता की अमूर्त सांस्कृतिक विरासत की प्रतिनिधि सूची में औपचारिक रूप से शिलालेख किया, UNESCO की अपनी सूची के अनुसार। जापान ने पहले ही 1957 में इसे एक महत्वपूर्ण अमूर्त सांस्कृतिक संपत्ति नामित कर दिया था।

कबुकी बाद में, जापान के Edo काल (1603–1867) के दौरान, विकसित हुई, और इसे अदालत की बजाय एक लोकप्रिय, शहरी दर्शकों के लिए लक्षित किया गया था। UNESCO की सूची कबुकी नाटकों को ऐतिहासिक घटनाओं और दिल के द्वंद्वों पर केंद्रित के रूप में वर्णित करती है, जो विशेष रूप से पुरुष अभिनेताओं द्वारा प्रदर्शित किए जाते हैं, जिनमें महिला भूमिकाओं में onnagata विशेषज्ञ शामिल हैं। मंचन में दर्शकों में एक ऊंचा पुल hanamichi और एक शैलीबद्ध फ्रीज-मुद्रा, mie शामिल है, जिसे अभिनेता किसी चरित्र की शीर्ष भावना को चिह्नित करने के लिए उपयोग करते हैं। UNESCO ने 2005 में कबुकी को एक मास्टरपीस घोषित किया और 2008 में इसे प्रतिनिधि सूची में शिलालेख किया।

यूरोपीय कॉमेडी और राजनीतिक रूप: कोमेडिया डेल'आर्ट से महाकाव्य थिएटर तक

Commedia dell'arte 1500s में इटली में उभरा, इसके मूल सम्मेलनों को लगभग 1550 और 1650 के बीच निर्धारित किया गया, EBSCO के अनुसार। Troupes अस्थायी मंचों पर बाहर प्रदर्शन करते थे, न्यूनतम सेट के साथ, एक ज्ञात कथानक के चारों ओर संवाद को तुरंत बनाते थे और नकाबपोश स्टॉक पात्रों का एक निश्चित सेट — मूर्खतापूर्ण Zanni, लालची व्यापारी il Magnifico, charlatans Dottore और शेखी बघारने वाले Capitano, बाद में Harlequin और Pantalone जैसी आकृतियों द्वारा जुड़े। यह रूप यूरोप में फैल गया और 1600s में एक स्वर्ण युग तक पहुंच गया फिर गिरावट; इसे 1797 में नेपोलियन के आक्रमण के बाद इटली में औपचारिक रूप से प्रतिबंधित किया गया, हालांकि इसने बाद में कॉमेडी को प्रभावित किया और 1970s के अंत से पुनरुद्धार किया गया।

1920s में, जर्मन निदेशक Erwin Piscator ने तकनीकें विकसित कीं जिन्हें नाटककार Bertolt Brecht ने बाद में महाकाव्य थिएटर के रूप में व्यवस्थित किया, EBSCO की इतिहास प्रविष्टि के अनुसार। Brecht चाहते थे कि दर्शक एक नाटक की सामाजिक सामग्री के बारे में सोचें, बजाय इसके पात्रों के लिए बस महसूस करने के, इसलिए उन्होंने उज्ज्वल, समान प्रकाश, प्रक्षेपित शीर्षकों और संगीत अंतरालिकाओं जैसी डिवाइसों का उपयोग किया ताकि दर्शकों को यह याद दिलाया जा सके कि वे एक निर्माण को देख रहे हैं। उन्होंने इसे Verfremdungseffekt कहा, या alienation effect — एक तकनीक जो परिचित स्थितियों को इतना अजीब दिखने का इरादा रखती है कि वे तर्कसंगत रूप से जांच के योग्य हों, भावनात्मक रूप से अवशोषित होने की बजाय।

युद्धोत्तर और समकालीन रूप

Theatre of the Absurd दूसरे विश्व युद्ध के बाद यूरोप में उठा, Jean-Paul Sartre और Albert Camus की अस्तित्ववादी दर्शन से आकार लेते हुए, EBSCO के अनुसार। Samuel Beckett, Eugène Ionesco, Jean Genet और Harold Pinter जैसे नाटककारों ने antirealistic नाटक लिखे जो nonlogical परिस्थितियों और भाषा पर बनाए गए जो संचार करने में विफल होती है, EBSCO द्वारा वर्णित युद्धोत्तर मानव व्यर्थता की भावना को दर्शाते हुए। EBSCO नोट करता है कि शैली देर 1950s तक अमेरिकी Off-Broadway और Off-Off-Broadway venues तक पहुंची, और Edward Albee ने absurdist तकनीकों को Who's Afraid of Virginia Woolf? (1962) जैसे कार्यों में शामिल किया।

संगीत थिएटर 18वीं-सदी के बैलेड ऑपेरा तक जाता है — The Beggar's Opera (1728) को कुछ इतिहासकारों द्वारा एक प्रारंभिक उदाहरण के रूप में उद्धृत किया जाता है — और इसने अपना आधुनिक ब्रॉडवे आकार धीरे-धीरे लिया: The Black Crook (1866) ने भव्य नृत्य दृश्य पेश किए, Show Boat (1927) ने ब्रॉडवे के पहली पूरी तरह से एकीकृत कास्ट का उपयोग किया और नस्ल संबंधों को संबोधित किया, और Oklahoma! (1943) को व्यापक रूप से पहला संगीत माना जाता है जिसमें गीत और choreography पूरी तरह से कथानक में बनाए गए थे, EBSCO के सारांश के अनुसार।

Physical और devised थिएटर अपनी जड़ें commedia dell'arte में पाते हैं जो पाठ पर इशारे पर निर्भर करता है, 20वीं सदी में Jacques Lecoq, Rudolf Laban और Antonin Artaud जैसे चिकित्सकों द्वारा पुनर्निर्मित, EBSCO नोट करता है। इस रूप में शरीर आख्यान को ले जाता है और कंपनियां — जैसे Lloyd Newson के DV8 Physical Theatre, 1986 में स्थापित, और Complicité — कार्यशाला-आधारित devising के माध्यम से उत्पादन बनाती हैं, एक निश्चित स्क्रिप्ट की बजाय।