Types de Représentation Théâtrale Expliqués: Du Drame Antique à la Scène Contemporaine

Les personnes qui recherchent "types de théâtre" essaient généralement de comprendre une longue histoire ramifiée : un chœur grec ne fait pas la même chose qu'un acteur de Kabuki, et En attendant Godot de Beckett ne suit pas les mêmes règles qu'une comédie musicale de Broadway. Cet article présente les principales traditions de représentation de manière chronologique, de leurs origines documentées aux formes toujours jouées aujourd'hui, en utilisant des faits provenant de sources académiques et institutionnelles.

Grèce Antique : Tragédie, Comédie et Drame Satyrique

Selon la World History Encyclopedia, les débuts exacts de la comédie grecque ne sont pas documentés, mais la poterie du VIe siècle avant J.-C. montre déjà des acteurs en costume exagéré, et Aristote a retracé une branche de la comédie à des chansons phalliques chantées lors de festivals en l'honneur de Dionysus. La tragédie et la comédie étaient jouées aux mêmes festivals religieux, aux côtés de drames satyriques, et ensemble « forment la fondation sur laquelle tout le théâtre moderne est basé », déclare l'encyclopédie.

Le genre s'est divisé en deux phases. La Comédie Ancienne a dominé le Ve siècle avant J.-C., menée par Aristophane (c. 460–380 avant J.-C.), dont Les Acharniens (425 avant J.-C.) est la plus ancienne comédie complète qui subsiste ; elle favorisait les intrigues fantastiques et la satire politique directe. La Nouvelle Comédie a suivi à la fin du IVe siècle avant J.-C., menée par Ménandre (c. 342–291 avant J.-C.), qui a écrit environ 100 pièces et a changé l'accent sur des situations domestiques et des personnages stéréotypés récurrents plutôt que sur des attaques contre des figures publiques nommées.

Le Drame de Danse Masqué du Japon : Noh, Kyogen et Kabuki

Noh a pris forme au XIVe siècle lorsque l'acteur Kan'ami Kiyotsugu a fondé la troupe Yusaki-za, et son fils Zeami Motokiyo a affiné la forme et composé environ cinquante pièces toujours jouées aujourd'hui, selon l'entrée de recherche d'EBSCO sur le drame Noh. Noh repose sur le mouvement chorégraphié, des masques élaborés et un seul acteur principal, le shite, qui transmet l'émotion par la danse et la musique plutôt que par le dialogue ordinaire. Les intermèdes comiques appelés Kyogen sont joués entre les pièces de Noh ; le programme combiné est connu sous le nom de Nogaku.

L'UNESCO a proclamé Nogaku chef-d'œuvre de l'héritage oral et immatériel de l'humanité en 2001 et l'a formellement inscrit sur sa Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l'humanité en 2008, selon le propre inventaire de l'UNESCO. Le Japon l'avait déjà désigné comme propriété culturelle immatérielle importante en 1957.

Kabuki s'est développé plus tard, pendant la période Edo du Japon (1603–1867), et était destiné à un public populaire urbain plutôt qu'à la cour. Le répertoire de l'UNESCO décrit les pièces de Kabuki comme centrées sur des événements historiques et des conflits du cœur, jouées exclusivement par des acteurs masculins, y compris des spécialistes onnagata dans les rôles féminins. La mise en scène comprend une passerelle surélevée vers le public appelée hanamichi et une pose de gel stylisée, le mie, que les acteurs utilisent pour marquer l'émotion maximale d'un personnage. L'UNESCO a proclamé Kabuki chef-d'œuvre en 2005 et l'a inscrit sur la Liste représentative en 2008.

Formes Comiques et Politiques Européennes : De la Commedia dell'Arte au Théâtre Épique

La Commedia dell'arte a émergé en Italie dans les années 1500, ses conventions centrales étant établies entre environ 1550 et 1650, selon EBSCO. Les troupes se produisaient en plein air sur des scènes temporaires avec un décor minimal, en improvisant le dialogue autour d'une intrigue connue et d'un ensemble fixe de personnages masqués stéréotypés — le sot Zanni, le marchand avare il Magnifico, le charlatan Dottore et le fanfaron Capitano, auxquels se sont ajoutés plus tard des personnages comme Arlequin et Pantalon. La forme s'est répandue à travers l'Europe et a connu un âge d'or dans les années 1600 avant de décliner ; elle a été formellement interdite en Italie en 1797 après l'invasion de Napoléon, bien qu'elle ait influencé la comédie ultérieure et ait été relancée à partir de la fin des années 1970.

Dans les années 1920, le réalisateur allemand Erwin Piscator a développé des techniques que le dramaturge Bertolt Brecht a ensuite systématisées comme théâtre épique, selon l'entrée d'histoire d'EBSCO. Brecht voulait que le public réfléchisse au contenu social d'une pièce plutôt que de simplement ressentir de l'empathie pour ses personnages, il a donc utilisé des dispositifs tels que l'éclairage lumineux et uniforme, les légendes projetées et les intermèdes musicaux pour rappeler au public qu'il regardait une construction. Il a appelé cela le Verfremdungseffekt, ou l'effet d'aliénation — une technique destinée à faire que les situations familières paraissent assez étranges pour être examinées rationnellement plutôt qu'absorbées émotionnellement.

Formes d'Après-Guerre et Contemporaines

Le Théâtre de l'Absurde a émergé en Europe après la Deuxième Guerre mondiale, façonné par la philosophie existentialiste de Jean-Paul Sartre et Albert Camus, selon EBSCO. Des dramaturges y compris Samuel Beckett, Eugène Ionesco, Jean Genet et Harold Pinter ont écrit des pièces antirealistes construites sur des situations illogiques et un langage qui échoue à communiquer, reflétant ce qu'EBSCO décrit comme un sentiment d'après-guerre de futilité humaine. EBSCO note que le style a atteint les salles Off-Broadway et Off-Off-Broadway américaines à la fin des années 1950, et qu'Edward Albee a incorporé des techniques absurdistes dans des œuvres comme Qui a peur de Virginia Woolf ? (1962).

Le théâtre musical remonte à l'opéra ballade du XVIIIe siècle — L'Opéra du Gueux (1728) est cité par certains historiens comme un exemple précoce — et a progressivement pris sa forme moderne de Broadway : The Black Crook (1866) a introduit un spectacle de danse somptueux, Show Boat (1927) a utilisé le premier casting complètement intégré de Broadway et a abordé les relations raciales, et Oklahoma! (1943) est largement considéré comme le premier musical dans lequel les chansons et la chorégraphie ont été entièrement intégrées dans l'intrigue, selon le résumé d'EBSCO.

Le théâtre physique et créé retracent leurs racines à la dépendance de la commedia dell'arte envers le geste plutôt que le texte, remis en forme au XXe siècle par des praticiens tels que Jacques Lecoq, Rudolf Laban et Antonin Artaud, note EBSCO. Dans cette forme, le corps porte le récit et les compagnies — telles que le Théâtre Physique DV8 de Lloyd Newson, fondé en 1986, et Complicité — construisent des productions par le biais du devising basé sur les ateliers plutôt que par un script fixe.