Tipi di spettacoli teatrali spiegati: Dal dramma antico al palcoscenico contemporaneo

Le persone che cercano "tipi di teatro" stanno solitamente cercando di dare un senso a una lunga storia ramificata: un coro greco non sta facendo la stessa cosa di un attore Kabuki, e L'attesa di Godot di Beckett non segue le stesse regole di un musical di Broadway. Questo articolo espone le principali tradizioni di spettacolo cronologicamente, dalle loro origini documentate alle forme ancora rappresentate oggi, utilizzando fatti tratti da fonti accademiche e istituzionali.

Grecia Antica: Tragedia, Commedia e il Dramma Satiresco

Secondo la World History Encyclopedia, gli esatti inizi della commedia greca sono indocumentati, ma la ceramica del VI secolo a.C. mostra già attori in costumi esagerati, e Aristotele ha tracciato un filone della commedia fino alle canzoni fallicle cantate ai festival in onore di Dioniso. La tragedia e la commedia erano rappresentate agli stessi festival religiosi, insieme ai drammi satireschi, e insieme "formano la base su cui si fonda tutto il teatro moderno", secondo l'enciclopedia.

Il genere si divise in due fasi. La Commedia Antica dominò il V secolo a.C., guidata da Aristofane (ca. 460–380 a.C.), il cui Gli Acarnesi (425 a.C.) è la più antica commedia completa sopravvissuta; privilegiava trame fantastiche e satira politica diretta. La Commedia Nuova seguì nel tardo IV secolo a.C., guidata da Menandro (ca. 342–291 a.C.), che scrisse circa 100 opere e spostò il focus su situazioni domestiche e personaggi fissi ricorrenti piuttosto che attacchi a figure pubbliche nominate.

Il Dramma Danza-Mascherato del Giappone: Noh, Kyogen e Kabuki

Il Noh ha preso forma nel XIV secolo quando il performer Kan'ami Kiyotsugu ha fondato la compagnia Yusaki-za, e suo figlio Zeami Motokiyo ha perfezionato la forma e composto circa cinquanta opere ancora rappresentate oggi, secondo la voce di ricerca dell'EBSCO sul dramma Noh. Il Noh si basa su movimento coreografato, maschere elaborate e un unico performer protagonista, lo shite, che trasmette emozione attraverso la danza e la musica piuttosto che il dialogo ordinario. I distacchi comici chiamati Kyogen sono rappresentati tra le rappresentazioni di Noh; il programma combinato è conosciuto come Nogaku.

L'UNESCO ha proclamato Nogaku un Capolavoro dell'Eredità Orale e Intangibile dell'Umanità nel 2001 e l'ha iscritto formalmente nella sua Lista Rappresentativa dell'Eredità Culturale Intangibile dell'Umanità nel 2008, secondo l'elenco dell'UNESCO stesso. Il Giappone lo aveva già designato un Bene Culturale Intangibile Importante nel 1957.

Il Kabuki si sviluppò successivamente, durante il periodo Edo del Giappone (1603–1867), e era rivolto a un pubblico popolare e urbano piuttosto che alla corte. L'elenco dell'UNESCO descrive le opere Kabuki come centrate su eventi storici e conflitti del cuore, rappresentate esclusivamente da attori maschi, inclusi gli specialisti onnagata nei ruoli femminili. La messa in scena presenta un ponte sopraelevato nel pubblico chiamato hanamichi e una posa stilizzata congelata, il mie, che gli attori usano per segnare il picco di emozione di un personaggio. L'UNESCO ha proclamato Kabuki un Capolavoro nel 2005 e l'ha iscritto nella Lista Rappresentativa nel 2008.

Forme Comiche e Politiche Europee: Dalla Commedia dell'Arte al Teatro Epico

La commedia dell'arte è emersa in Italia negli anni 1500, con le sue convenzioni fondamentali stabilite tra circa il 1550 e il 1650, secondo l'EBSCO. Le compagnie si esibivano all'aperto su palcoscenici temporanei con scenografia minima, improvvisando dialogo intorno a una trama conosciuta e una serie fissa di personaggi mascherati – lo sciocco Zanni, il mercante avido il Magnifico, il ciarlatano Dottore e il millantatore Capitano, successivamente seguiti da figure come Arlecchino e Pantalone. La forma si diffuse in tutta Europa e raggiunse un'età dell'oro nel 1600, prima di declinare; fu formalmente vietata in Italia nel 1797 dopo l'invasione di Napoleone, anche se influenzò la commedia successiva ed è stata rivitalizzata dalla fine degli anni 1970 in poi.

Negli anni 1920, il regista tedesco Erwin Piscator sviluppò tecniche che il drammaturgo Bertolt Brecht sistematizzò successivamente come teatro epico, secondo la voce di storia dell'EBSCO. Brecht voleva che il pubblico pensasse al contenuto sociale di una commedia piuttosto che semplicemente sentire per i suoi personaggi, quindi utilizzò dispositivi come illuminazione uniforme e luminosa, didascalie proiettate e intermezzi musicali per ricordare al pubblico che stava guardando una costruzione. La chiamò l'effetto di straniamento, o Verfremdungseffekt – una tecnica intesa a rendere le situazioni familiari abbastanza strane da essere esaminate razionalmente piuttosto che assorbite emotivamente.

Forme del Dopoguerra e Contemporanee

Il Teatro dell'Assurdo è sorto in Europa dopo la Seconda Guerra Mondiale, modellato dalla filosofia esistenzialista di Jean-Paul Sartre e Albert Camus, secondo l'EBSCO. I drammaturghi tra cui Samuel Beckett, Eugène Ionesco, Jean Genet e Harold Pinter hanno scritto opere antirealistiche costruite su situazioni illogiche e linguaggio che non riesce a comunicare, riflettendo quello che l'EBSCO descrive come un senso del dopoguerra di futilità umana. L'EBSCO osserva che lo stile ha raggiunto i locali Off-Broadway e Off-Off-Broadway americani verso la fine degli anni 1950, e che Edward Albee ha incorporato tecniche assurdiste in opere come Chi ha paura di Virginia Woolf? (1962).

Il teatro musicale risale alla ballad opera del XVIII secolo – The Beggar's Opera (1728) è citato da alcuni storici come un primo esempio – e ha assunto la sua forma moderna di Broadway gradualmente: The Black Crook (1866) ha introdotto uno spettacolo di danza sontuoso, Show Boat (1927) ha utilizzato il primo cast completamente integrato di Broadway e ha affrontato le relazioni razziali, e Oklahoma! (1943) è ampiamente considerato il primo musical in cui le canzoni e la coreografia sono state pienamente integrate nella trama, secondo il riassunto dell'EBSCO.

Il teatro fisico e inventato affondano le loro radici nella dipendenza della commedia dell'arte dal gesto sul testo, rimodellate nel XX secolo da praticanti come Jacques Lecoq, Rudolf Laban e Antonin Artaud, nota l'EBSCO. In questa forma il corpo porta la narrazione e le compagnie – come il DV8 Physical Theatre di Lloyd Newson, fondato nel 1986, e Complicité – costruiscono produzioni attraverso l'invenzione basata su workshop piuttosto che uno script fisso.